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最も古くから知られている曲は何ですか?

最も古くから知られている曲は何ですか?


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音楽の歴史は人類そのものと同じくらい古いものです。考古学者は、43、000年前にさかのぼる骨と象牙で作られた原始的なフルートを発見しました。多くの古代の音楽スタイルが、口承の伝統に保存されている可能性があります。ただし、特定の曲に関しては、最も古い既知の例は比較的最近のものです。記譜法の最も初期の断片は、4、000年前のシュメールの粘土板に見られます。これには、支配者リピト・イシュタルを称える賛美歌の指示と調律が含まれています。しかし、現存する最古の歌のタイトルとして、ほとんどの歴史家は、紀元前14世紀頃に古代フルリ人によって楔形文字で作曲された女神ニッカルへの頌歌である「ハリアン賛美歌第6番」を指しています。曲を含む粘土板は、1950年代にシリアのウガリット市の遺跡から発掘されました。ほぼ完全な記譜法のセットに加えて、9弦のリラのタイプで曲を演奏する方法についての具体的な指示も含まれています。

「フルリ人の賛美歌第6番」は世界で最も初期のメロディーと見なされていますが、完全に生き残った最古の作曲は、「セイキロスの墓」として知られる西暦1世紀のギリシャの曲です。この歌は、トルコの女性の墓地を示すために使用された古代の大理石の柱に刻まれているのが見つかりました。 「私は墓石、イメージです」と碑文を読みます。 「セイキロスは私を死のない記憶の永遠のしるしとしてここに置きました。」このコラムには、記譜法と、「あなたが生きている間、輝いて/まったく悲しみがない/人生はほんの少しの間しか存在しない/そして時間はその犠牲を要求する」と書かれた短い歌詞のセットも含まれています。

セイキロスの墓碑の保存状態の良い碑文により、現代の音楽家や学者は、その素朴なメロディーを音符ごとに再現することができました。ニューカッスル大学のDavidCreese博士は、木槌で演奏された8弦楽器を使用して演奏し、古代音楽研究者のMichael Levyは、リラに打ち付けられたバージョンを録音しました。 「HurrianHymnNo。6」を解読して再生する試みも何度かありましたが、その古代のタブレットの翻訳が困難なため、決定的なバージョンはありません。最も人気のある解釈の1つは、シリアの作曲家マレク・ジャンダリがフルオーケストラで古代の賛美歌を演奏した2009年に来ました。


世界最古の歌、フルリ人の賛美歌の魅惑的な音を聞いてください

フルリ人の賛美歌は、楔形文字が刻まれた粘土板で1950年代に発見されました。現存する最古のメロディーで、3、400年以上前のものです。

賛美歌は、現在シリアの一部であるウガリットの粘土板で発見され、果樹園ニッカルのフルリ人の女神に捧げられています。

他の約30のタブレットの断片と一緒に発見された粘土板のテキストは、9つのリラの弦と、それらの弦の間隔を指定しています。古代のギターのタブのようなものです。

しかし、作曲家の名前は失われましたが、これは再構築できる唯一の賛美歌です。


コンテンツ

アカペラは人類自体と同じくらい古い可能性があります。研究によると、歌と音声は、言語が発明される前に初期の人間がコミュニケーションをとっていたものであった可能性があります。 [3]最も初期の楽譜は、紀元前2000年に始まったと考えられています。 [4]完全に生き残った最も古いものは、西暦1世紀のものですが、セイキロスの墓と呼ばれるギリシャの作品です。 [4]

アカペラ音楽はもともと宗教音楽、特に教会音楽、アナシード、ゼミーロートで使用されていました。グレゴリオ聖歌はアカペラの歌の例であり、ルネッサンスの世俗的な声楽の大部分もそうです。マドリガーレは、バロック初期に楽器を伴った形に発展するまで、通常はアカペラの形をしています。詩篇は、ユダヤ教と初期キリスト教の音楽は主にアカペラでしたが、初期の曲の中には弦楽器を伴うものもあったと述べています[5]。

クリスチャンエディット

キリスト教アカペラ音楽のポリフォニーは、ジョスカンデプレの作曲で、西暦15世紀後半頃にヨーロッパで発展し始めました。 [6]初期のアカペラポリフォニーには楽器が付属していた可能性がありますが、この楽器は歌手のパートを2倍にするだけで、独立していませんでした。 16世紀までに、アカペラのポリフォニーはさらに発展しましたが、徐々に、カンタータがアカペラの形に取って代わり始めました。 [6]それにもかかわらず、16世紀のアカペラのポリフォニーは、この期間中から現在に至るまで、教会の作曲家に影響を与え続けました。最近の証拠は、システィーナ礼拝堂のために書かれたものなど、パレストリーナによる初期の作品のいくつかは、声の一部またはすべてを「倍増」する器官を伴うことを意図していたことを示しています。 [6]これは、パレストリーナの生涯でバッハに大きな影響を与えるようになったときに見られます。 ミサ曲ロ短調.

アカペラスタイルを利用した他の作曲家は、たまにしか曲がなかったとしても、クラウディオモンテヴェルディと彼の傑作でした。 Lagrime d'amante al sepolcro dell'amata 1610年に作曲された(愛する人の墓での恋人の涙)[7]とアンドレア・ガブリエリは、彼の死後、多くの合唱曲が発見され、そのうちの1つは伴奏なしのスタイルでした。 [8]前の2つの作曲家から学んだハインリヒ・シュッツは、アカペラ様式を数多くの作品で利用しました。その主なものは、イースターの週に伝統的に演奏され、その週の宗教的主題を扱ったオラトリオ様式の作品でした。 、キリストの苦しみや情熱など。シュッツの5つ 歴史家 イースターの作品であり、マシュー、ルーク、ジョンの3つの異なる視点から情熱を扱った後者の3つは、すべてアカペラスタイルで行われました。これはこのタイプの作品のほぼ要件であり、群衆の一部が歌われ、キリストまたは著者のいずれかから引用された部分であるソロ部分が平凡に演奏されました。 [9]

ビザンツ式典礼編集

東方典礼カトリック教会と東方典礼カトリック教会のビザンツ式典礼では、典礼で演奏される音楽は、器楽の伴奏なしで独占的に歌われます。カリストスウェア司教は、「聖歌隊がない場合でも、礼拝は歌われます。今日の正教会では、初代教会と同様に、歌は伴奏がなく、器楽は見つかりません」と述べています。 [10]このアカペラの振る舞いは、詩篇150篇の厳密な解釈から生じています。 息をのむすべてのものが主をほめたたえましょう。あなたがたは主をほめたたえなさい。 [11]この哲学に沿って、初期のロシア人 musika 17世紀後半に登場し始めたもので、 khorovïyekontsertï (合唱協奏曲)は、論文などのベネチアスタイルの作品のアカペラの適応を行いました、 Grammatika musikiyskaya (1675)、ニコライ・ディレツキー作。 [12]ピーター・チャイコフスキー、セルゲイ・ラフマニノフ、アレクサンドル・アルカンゲルスキー、マイコラ・レオントヴィッチなどの有名な作曲家によって作曲された聖体礼儀と西方奉神礼拝堂は、この良い例です。

崇拝の楽器への反対編集

音楽を伴わずに礼拝を行うことで知られる現在のキリスト教の宗教団体には、多くの東方正教会(コプティック正教会など)、[13]多くのアナバプテストコミュニティ(アーミッシュ、旧ドイツバプテスト兄弟、旧秩序メノナイトなど)が含まれます。保守的なメノナイト)、礼拝の規制原則に専念するいくつかの長老派教会、旧正規バプテスト、原始バプテスト、プリマスブレザレン、キリスト教会、神の教会(ガスリー、オクラホマ)、改革された自由メソジスト、[14] Doukhobors、および東方キリスト教のビザンチンの儀式。典礼教会での特定の高等教会の礼拝やその他の音楽イベント(ローマカトリックミサやルーテル神の礼拝など)はアカペラである可能性があり、使徒時代から残っている慣習です。多くのメノナイトはまた、楽器なしで彼らのサービスの一部またはすべてを行っています。フォークミュージックの一種であるセイクリッドハープは、アカペラスタイルの宗教的な歌唱で、通常は歌唱大会で歌われます。

キリスト教の礼拝における楽器の反対者は、そのような反対はキリスト教の聖書と教会の歴史によって支えられていると信じています。通常参照される聖書は、マタイ26:30使徒16:25ローマ15:9 1コリント14:15エペソ5:19コロシア3:16ヘブライ2:12、13:15とヤコブ5:13、[15]であり、例を示しています。そしてクリスチャンが歌うように勧めます。 [16]

新約聖書の初期の教会の崇拝、または最初の6世紀の教会の崇拝には、器楽への言及はありません。 [17] [18]教会の歴史を通して、教会の崇拝に器楽がないことにはいくつかの理由があります。 [nb 2]

今日アカペラ音楽を信じるクリスチャンは、寺院の礼拝中のイスラエルの礼拝集会では、レヴィの司祭だけが歌い、演奏し、動物の犠牲を捧げたと信じていますが、教会の時代には、すべてのクリスチャンは神に賛美を歌うように命じられています。彼らは、もし神が新約聖書の崇拝において器楽を望んでいたなら、彼はただ歌うだけでなく、ヘブライ語の経典でしたように歌って演奏するように命じたであろうと信じています。

楽器は、礼拝に導入されて以来、Christendomを分割してきました。それらはローマカトリックの革新と見なされ、18世紀まで広く実践されておらず、マルティンルター(1483〜1546)、[20]フルドリッヒツヴィングリ、ジョンカルヴァン(1509〜1564)を含む多くのプロテスタント改革派によって激しく反対されました。 )[21]およびJohn Wesley(1703–1791)。 [22]アレクサンダー・キャンベルは、礼拝での楽器の使用を「コンサートでのカウベル」と呼んだ。 [23]ウォルター・スコット卿の ミドロジアンの心臓、ヒロイン、スコットランドの長老派教会のジーニー・ディーンは、彼女がイギリスで見つけた教会の状況について父親に手紙を書いています(太字で追加)。

ここの人々は市民であり、聖使徒の野蛮人のように、私に多くの親切を示してくれました。 私たちのような器官のないカーク、そして集会所と呼ばれ、大臣はガウンなしで説教します。 [24]

礼拝における楽器の受け入れ編集

キリスト教の経典を解釈するという規制の原則に従わない人々は、初代教会の伴奏のない聖歌に賛美を制限することは経典で命じられておらず、どの年齢の教会も楽器の有無にかかわらず自由に歌を提供できると信じています。

この解釈に同意する人々は、キリスト教の聖書は楽器に対する否定的な判断で楽器の言葉に対抗することは決してないので、楽器への反対は歴史の解釈から来ると信じています。キリスト教の教会の1世紀半(西暦33〜180年)のどの状況においても、楽器に対する書面による反対はありません。 [25]この期間中のキリスト教の礼拝のための楽器の使用も文書化されていません。 2世紀の終わりに向かって、クリスチャンは楽器自体を非難し始めました。 [26]今日の楽器に反対する人々は、これらの教父が教会に対する神の願望をよりよく理解していると信じています。 要出典 ]しかし、これらの教父の教えと今日の楽器に対するクリスチャンの反対との間には大きな違いがあります。

  • 現代のクリスチャンは通常、楽器を演奏したり、結婚式、葬式、宴会などに出席したりすることが許容されると信じています。そこでは、楽器が宗教音楽を演奏しているのが聞こえます。教父も例外ではありませんでした。 [26]新約聖書は楽器自体を非難することは決してないので、これらの状況のいずれにおいても、ましてや、「教父は楽器に対する否定的な判断を宣言することで新約聖書を超えている」と信じられています。 [27]
  • 礼拝の楽器に対する書面による反対は、5世紀の変わり目近くに始まりました。 [28]現代の楽器の反対者は通常、これらの作家と同じ楽器の評価をしません[nb 3]神は、ダビデに楽器を賞賛する「悪」を許したと主張しました。 [31]旧約聖書は、神が楽器を特別に求めたと教えていますが[32]、現代の関心事は新約聖書に基づく崇拝です。

「アカペラ」の歌唱は、楽器の伴奏を伴う新しいポリフォニー(一度に複数の音符)をもたらしたため、楽器に反対したプロテスタントの改革者(カルビンやツヴィングリなど)もポリフォニーに反対したことは驚くべきことではありません。 [33]ツヴィングリがスイスで臓器を破壊している間、ルーサーは彼を狂信者と呼んだが、イングランド国教会はポリフォニーの本を燃やしていた。 [34]

自由メソジスト教会などの一部のホーリネス教会は、20世紀半ばまで教会の礼拝で楽器を使用することに反対していました。自由メソジスト教会は、1943年の会議でオルガンまたはピアノの使用に関する地元の教会の決定を許可した後、1955年に完全に禁止を解除しました。自由メソジスト教会と福音ウェスリアン教会は、自由メソジスト教会との分裂の結果として形成されました。メソジスト教会。前者はアカペラ崇拝を保持し、後者は教会内の楽器の数をピアノとオルガンに制限する規則を保持しています。 [14]

ユダヤ人の編集

エルサレムの神殿での礼拝には楽器が含まれていましたが[35]、シナゴーグでの伝統的なユダヤ教の礼拝には、神殿が最後に破壊される前後の両方で、聖書の詠唱の実践を考慮して楽器は含まれていませんでした[36]。 [37]安息日では、楽器の修理(またはチューニング)を誘惑されることを懸念して、楽器の使用は伝統的に禁止されていますが、当時は禁止されていました。 (この禁止は、多くの改革と一部の保守的な会衆で緩和されました。)同様に、ユダヤ人の家族や大規模なグループが、正式な宗教的奉仕の文脈の外でゼミーロートとして知られる伝統的な安息日歌を歌うとき、彼らは通常アカペラ、そしてバルミツワーとバットミツワーを歌います安息日のお祝いには、アカペラのアンサンブルによる娯楽が含まれることがあります。 3週間の間、楽器は禁止されています。多くのユダヤ人は、過越の祭りとシャブオットの間のオマーの数え方の49日間の一部を半喪の時間であると考えており、その間は器楽は許可されていません。 [38]これは時々知られているアカペラの歌の伝統につながっています セフィラ 音楽。 [39]

ユダヤ人の聖歌の普及は、紀元前20年に生まれたユダヤ人の哲学者フィロの著作に見られるかもしれません。ユダヤ人とギリシャ人の考えを織り交ぜながら、フィロは楽器なしで賛美を促進し、「声帯さえもなしで」「静かな歌」がさらに良いことを教えました。 [40]この見解は、イスラエルが神自身の命令によって楽器で賞賛を提供したユダヤ教の経典と別れた[41]ショファーは、今日でもシナゴーグで使用されている唯一の寺院の楽器であり[42]、ロシュ・チョデッシュからのみ使用されているヨム・キプルの終わりまでエルル。ショファーは、声の伴奏なしで単独で使用され、非常に厳密に定義された一連の音とシナゴーグサービスの特定の場所に限定されます。 [43]しかし、番号10:1-18 [44]に記載されているように、銀のトランペットは近年作られ、嘆きの壁での礼拝で使用されています。 [45]

ノースウェスタン大学音楽学校の学部長であるピータークリスチャンラトキンは、1906年にノースウェスタンアカペラ合唱団を設立することにより、米国でアカペラ音楽の普及に貢献しました。アカ​​ペラ合唱団は「アメリカでこの種の最初の恒久的な組織」でした。 [46] [47]

アカペラの伝統は、ミネソタ州ノースフィールドのセントオラフカレッジの音楽学部のメンバーであるF.メリウスクリスチャンセンによって1911年に始まりました。セントオラフカレッジ合唱団は、クリスチャンセンがオルガニストであり、合唱団が少なくとも部分的に近くのセントオラフキャンパスからの学生で構成されていた地元のセントジョンズルーテル教会の副産物として設立されました。アンサンブルの成功は他の地域の指揮者によってエミュレートされ、カッペラ合唱音楽の伝統は、コンコルディア大学(ムーアヘッド、ミネソタ)、オーガスタナ大学(ロックアイランド、イリノイ)、ウォルドルフ大学(フォレストシティ)などの大学で生まれました。 、アイオワ)、ルーサーカレッジ(デコラ、アイオワ)、グスタフスアドルフスカレッジ(セントピーター、ミネソタ)、オーガスタナカレッジ(スーフォールズ、サウスダコタ)、およびオーグスバーグ大学(ミネアポリス、ミネソタ)。合唱団は通常40〜80人の歌手の範囲であり、大規模な合唱環境で完璧なブレンド、イントネーション、フレージング、ピッチングを行う努力が認められています。 [49] [50]

過去1世紀にわたる現代のアカペラの動きには、理髪店やドゥーワップが含まれます。 Barbershop Harmony Society、Sweet Adelines International、Harmony Inc.は、ハーモニー大学、ディレクターズ大学、国際教育シンポジウムなどの教育イベントや、国際チャンピオンの合唱やカルテットを称える国際コンテストやコンベンションを主催しています。

多くのアカペラグループは高校や大学で見つけることができます。アカペラを独占的に歌うアマチュア理髪店ハーモニーソサエティや専門家グループがあります。アカペラは技術的には楽器の伴奏なしで歌うこととして定義されていますが、一部のグループは自分の声を使って楽器をエミュレートし、他のグループはより伝統的で調和に焦点を合わせています。アカペラのスタイルは、ゴスペル音楽からコンテンポラリー、理髪店のカルテットやコーラスまで多岐にわたります。

現代アカペラ協会(CASA)は、主催された大会やイベントを支援する資金を持っている元学生のための会員オプションです。 [51] [52]

アカペラ音楽は、2000年代後半から2010年代初頭から中期にかけて、2009〜2014年のテレビ番組などのメディアヒットで人気を博しました。 ザ・シングオフ とミュージカルコメディ映画シリーズ 一分の隙もない.

レコーディングアーティスト編集

1943年7月、米国音楽家連盟が米国のレコーディングスタジオをボイコットした結果、アカペラのボーカルグループ ソングスピナーズ 「翼と祈りにやってくる」のベストセラーがありました。 1950年代、いくつかのレコーディンググループ、特にHi-LosとFour Freshmenは、アカペラの演奏に複雑なジャズのハーモニーを導入しました。キングズシンガーズは、1960年代に小グループのアカペラ公演への関心を高めたとされています。フランク・ザッパはドゥーワップとアカペラが大好きなので、1970年に彼のレーベルからパースエージョンズのファーストアルバムをリリースしました。[53]ジュディ・コリンズはアカペラ「アメイジング・グレイス」を録音しました。[54] 1983年、フライング・ピケッツとして知られるアカペラのグループは、Yazoo(米国ではYazとして知られる)の「OnlyYou」のカバーで、英国でクリスマスの「ナンバーワン」を獲得しました。アカペラ音楽は、マンハッタントランスファー、ボビーマクファーリン、ヒューイルイスアンドザニュース、オールフォーワン、ナイロンズ、バックストリートボーイズ、ボーイズなどのアーティストによるトップ40のレコーディングの成功に刺激され、1980年代後半から新たな注目を集めました。 IIメン、および* NSYNC。 [ 要出典 ]

現代アカペラには、多くのボーカルグループやバンドが含まれており、ボーカルパーカッションやビートボックスを追加してポップ/ロック/ゴスペルサウンドを作成します。楽器を使用するバンドと非常によく似ている場合もあります。このような専門家グループの例には、Straight No Chaser、Pentatonix、The House Jacks、Rockapella、Mosaic、Home Free、M-pactなどがあります。一部の宗派は礼拝中に楽器を意図的に使用しないため、キリスト教音楽にはアカペラの強い存在感が残っています。そのようなグループの例は、Take 6、Glad、Acappellaです。小さなアカペラアンサンブルのポピュラー音楽のアレンジメントには、通常、リードメロディーを歌う1つの声、リズミカルなベースラインを歌う1つの声、およびコードまたはポリフォニックの伴奏に寄与する残りの声が含まれます。

アカペラは、元々楽器が含まれていたマルチトラック録音から分離されたボーカルトラックを表すこともできます。 [ 要出典 ]これらのボーカルトラックは、リミックスしたり、DJのレコードに入れたり、ファンがリミックスできるように一般にリリースしたりすることができます。そのような例の1つは、Jay-Zのアカペラリリースです。 ブラックアルバム、デンジャーマウスがビートルズとミックスした ホワイトアルバム 作成する グレイアルバム.

1966年のアルバム「 アルバム、ピーター、ポール、メアリーは「ノーマンノーマル」の曲を含めました。その曲のすべての音は、ボーカルと楽器の両方で、実際の楽器を使用せずに、ポールの声によって作成されました。 [55]

2013年、スムースマクグルーブという名前のアーティストが、アカペラ音楽のスタイルで有名になりました。 [56]彼は、YouTubeのビデオゲーム音楽トラックのアカペラカバーで最もよく知られています。 [57]

2015年、マルチインストゥルメンタリストのジェイコブコリアーによるアカペラバージョンのエルサレムが、イングランドラグビーワールドカップキャンペーンのBeats byDre「TheGameStartsHere」に選ばれました。 [58] [59]

ミュージカル劇場編集

アカペラは、オフブロードウェイ(ニューヨーク市の99〜500席の劇場)で4回しか商業的に上演されていないミュージカル劇場のオリジナル作品の唯一のオーケストレーションとして使用されています。 1つ目は1994年1月28日にオープンし77回の公演を行ったアベニューXでした。それは、ジョン・ジラーの本、レイ・レスリーの音楽と歌詞で、劇作家ホライゾンズによって制作されました。ショーのスコアの音楽スタイルは、1960年代のドゥーワップグループの歌手を中心にプロットが展開されたため、主にドゥーワップでした。 [60] [61]

2001年、ニューヨークの伝説的なスタジオ54で絶賛されたオフブロードウェイのヒット曲「DRAGAPELLA!主演のキンジーシックス」でプロデュースされ、主演したキンジーシックス。この作品は、ルシールローテル賞のベストミュージカルおよびドラマにノミネートされました。最高の歌詞のためのデスクノミネーション。グレン・カサーレが監督し、ベン・シャッツがオリジナルの音楽と歌詞を担当しました。 [62]

全国選手権の優勝を争う2つの高校のカッペラグループに関するコメディーであるカッペラミュージカルのパーフェクトハーモニーは、2010年10月にニューヨーク市の42丁目にあるシアターロウのエイコーンシアターでオフブロードウェイデビューを果たしました。町はマサチューセッツ州ストーンハムのストーンハム劇場で運営されています。パーフェクトハーモニーは、ジャクソン5、パットベナタール、ビリーアイドル、マーヴィンゲイ、スキャンダル、ティファニー、ロマンティックス、プリテンダーズ、テンプテーションズ、コントゥアーズ、コモドアーズ、トミージェイムス&アンプ、ションデルズ、パートリッジファミリーのヒット曲をフィーチャーしています。 AltarBoyzと第25回PutnamCounty SpellingBeeのクロスと比較されています。 [63] [64]

オフブロードウェイ、イントランジットに登場する4番目のアカペラミュージカルは2010年10月5日に初演され、クリステンアンダーソンロペス、ジェームスアレンフォード、ラスカプラン、サラワーズワースによる本、音楽、歌詞でプライマリーステージによって制作されました。主にニューヨーク市の地下鉄システムを舞台に、そのスコアは音楽ジャンル(ジャズ、ヒップホップ、ラテン、ロック、カントリーなど)の折衷的なミックスを特徴としています。 In Transitは、地下鉄のビートボクサーのキャラクターを使用して、ボーカルビートボックスを現代アカペラのアレンジに取り入れています。ビートボクサーで俳優のチェスニースノーは、2010年のプライマリーステージの制作でこの役割を果たしました。 [65]ショーのウェブサイトによると、2011年秋にオープンエンドのコマーシャルランのために再開する予定です。2011年に、プロダクションは、傑出したミュージカル、アウタークリティクスサークル、ドラマリーグのノミネートを含む4つのルシールローテル賞のノミネートを受けました。優れたミュージカルを含む5つのドラマデスクノミネートと優れたアンサンブルパフォーマンスで優勝しました。

2016年12月、イントランジットはブロードウェイで最初のアカペラミュージカルになりました。 [66]

理髪店スタイル編集

理髪店の音楽は、いくつかのユニークなアメリカの芸術形式の1つです。このスタイルのアカペラ音楽の初期の報告には、アフリカ系アメリカ人が関わっていました。最も初期の文書化されたカルテットはすべて理髪店で始まりました。 1938年に、最初の正式な男性用理髪店組織が設立されました。これは、アメリカの理髪店カルテット歌唱の保存と奨励協会(SPEBSQSA)として知られ、2004年にブランド名を変更し、正式に理髪店ハーモニー協会(BHS)に正式名称を変更しました。 )。今日、BHSには米国とカナダの約800の支部に約22,000人のメンバーがおり[67] [68]、理髪店のスタイルは他の多くの国の組織とともに世界中に広がっています。 [69]理髪店ハーモニーソサエティは、理髪店スタイルで歌うアカペラカルテットとコーラスのための高度に組織化された競争構造を提供します。

1945年、最初の正式な女性の理髪店組織であるSweetAdelinesが設立されました。 1953年にSweetAdelinesは国際組織になりましたが、名前は1991年までSweet Adelines Internationalに変更されませんでした。すべて英語で歌う約25,000人の女性の会員には、50の米国のほとんどとオーストラリア、カナダ、フィンランド、ドイツ、アイルランド、日本、ニュージーランド、スペイン、スウェーデン、英国、オランダ。オクラホマ州タルサに本社を置くこの組織には、1,200を超える登録済みカルテットと600のコーラスが含まれています。

1959年、イデオロギーの違いにより、SweetAdelinesからの脱却として2番目の女性の理髪店組織が始まりました。今日まで続く民主主義の原則に基づいて、ハーモニー社は対応するものよりも小さいですが、友情と競争の雰囲気を持っています。 Harmony、Inc。は、米国とカナダに約2,500人のメンバーを擁し、理髪店ハーモニーソサエティが使用しているのと同じルールをコンテストで使用しています。 Harmony、Inc。は、ロードアイランド州プロビデンスに登録されています。

アマチュアと高校編集

高校やアマチュアの間でアカペラの人気は、テレビ番組や映画などで復活しました グリー一分の隙もない。高校のグループには、グループのテンポを維持する指揮者や学生リーダー、またはビートボクサー/ボーカルパーカッション奏者がいる場合があります。

2013年以降、カリフォルニア州ロサンゼルスのA Cappella Academy(Ben Bram、Rob Dietz、Avi Kaplanが設立)やオハイオ州デイトンのCamp A Cappella(DekeSharonとBrodyMcDonaldが設立)などの夏季トレーニングプログラムが登場しています。 [70]これらのプログラムは、ボーカルパフォーマンス、アレンジ、ビートボックス/ボーカルパーカッションなど、アカペラ音楽のさまざまな側面について教えています。

パキスタン編集

ミュージカルショー ストレプシルスステレオ パキスタンでアカペラの芸術を紹介したことで知られています。 [71]

スリランカ編集

作曲家のDineshSubasingheは、SATB合唱団のためにアカペラの曲を書いた最初のスリランカになりました。彼は、古代スリランカの歴史的事件に基づいて、メナカ・デ・サハバンドゥとブリジット・ヘルプの合唱団のために、それぞれ「失われた部族の王子」と「ソマワシーの古代の女王」を書いた。 [72] [73] [74] Voice Printは、スリランカのアカペラ音楽グループのプロでもあります。 [75]

スウェーデン編集

ヨーロッパのアカペラの伝統は、バルト海周辺の国々で特に強く、リチャード・スパークスが博士論文で説明しているように、おそらくスウェーデンで最も強いです。 スウェーデンの合唱の奇跡 2000年。[76]

スウェーデンのアカペラ合唱団は、過去25年間、毎年恒例の名誉ある合唱歌唱グランプリ(EGP)の約25%を獲得しており、その名前にもかかわらず、世界中の合唱団に開放されています(Wikipediaの記事の受賞者リストを参照してください)。 EGPコンペティション)。

スウェーデンの強い支配の理由は、リチャード・スパークスの多様性によって説明されているように、長年の伝統があり、人口の異常に大きな割合(5%がしばしば引用されます)が定期的に合唱団で歌っています、スウェーデンの合唱ディレクターエリック・エリクソンはスウェーデンだけでなく世界中でカッペラ合唱の発展に多大な影響を与えました。そして最後に、オーディションを組み合わせたオーディションに基づく高い入学基準を持つ非常に人気のある小中学校(「音楽学校」)が多数あります。 1939年にストックホルムのアドルフフレドリックの音楽学校で始まったが、全国に広がっているシステムである、毎日の高レベルの合唱歌唱による厳格な学術レジメン。

イギリス編集

アカペラは近年英国で注目を集めており、英国の大学では、伝統的な合唱やチャペルの歌唱に代わる歌唱の追求を求める学生によって多くのグループが結成されています。この動きは、The Voice FestivalUKなどの組織によって強化されています。

アカペラの大学がどこから始まったのかは正確にはわかりません。 1873年に設立されたレンセラー工科大学(旧RPIグリークラブ)のレンセラー工科大学は、おそらくアカペラグループとして知られている最古の大学です。 [77] [ 追加の引用が必要 ]最長の継続的な歌唱グループは、おそらくイェール大学のウィッフェンプーフ[78]であり、1909年に結成され、かつてはコールポーターがメンバーとして含まれていました。 [78]アカペラの大学グループは20世紀を通して成長した。途中で形成されたいくつかの注目すべき歴史的グループには、コルゲート大学のコルゲート13(1942)、ダートマス大学のアイレス(1946)、コーネル大学のカユガのウェイター(1949)、ハンゴーバー(1968)、メイン大学メインシュタイナーズ(1958)、コロンビア大学キングスマン(1949)、ブラウン大学のジャバーウォックス(1949)、ロチェスター大学イエロージャケット(1956)。

すべての女性のアカペラグループは、すぐに、しばしば男性のグループのパロディーとして続きました:スミス大学のSmiffenpoofs(1936)、コネチカット大学のShwiffs(The She-Whiffenpoofs、1944)、およびブラウン大学のChattertocks(1951) 。アカペラグループの人気は1990年代から爆発的に高まりました。これは、タフツ大学のBeelzebubsとボストン大学のDearAbbeysによって普及したスタイルの変化に一部支えられています。新しいスタイルでは、ボイスを使用して、ボイスパーカッション/「ビートボックス」などのモダンロック楽器をエミュレートしました。現在、一部の大規模な大学には複数のグループがあります。グループは、ジョージタウンチャイムズのチェリーツリー虐殺、1975年以来毎年2月に開催される3週間のアカペラフェスティバルなど、キャンパス内のコンサートに参加することがよくあります。ボストンコモンと現代のコマーシャルアカペラグループRockapella。共同編集グループは、ジョンレジェンド、ペンシルベニア大学のカウンターパートの卒業生、サラバレリス、カリフォルニア大学ロサンゼルス校のAwaken A Cappellaの卒業生、ミンディなど、多くの新進気鋭の主要アーティストを輩出してきました。ダートマス大学のRockapellasの卒業生であるKaling。ミラ・ソルヴィノは、ハーバード大学のハーバード・ラドクリフ・ベリトーネスの卒業生であり、ヤズーの「オンリー・ユー」でソロを演奏しました。

アカペラは、主にヒンディー語-英語の大学グループの出現により、南アジア人の間で人気を集めています。最初の南アジアのアカペラグループは、1996年にペンシルベニア大学で設立されたペンマサラでした。南アジアのアカペラグループも人気を集めています。南アジアで最初に共同編集されたアカペラは、2001年に設立されたメリーランド大学のAnokhaでした。また、カリフォルニア大学バークレー校で共同編集されたアカペラのDil seは、カリフォルニア大学バークレー校で「アナハット」コンテストを主催しています。毎年。ミシガン大学のアカペラグループであるMaizeMirchiは、中西部のさまざまなグループが招待する毎年恒例の南アジアのアカペラである「Sa Re GaMaPella」を主催しています。中西部のもう1つの南アジアのグループは、イリノイ大学アーバナシャンペーン校に本拠を置くチャイタウンです。

Queens CollegeのTizmoret、TuftsUniversityのShirAppeal、University of ChicagoのRhythmand Jews、Binghamton UniversityのKaskeset、Ohio State UniversityのMeshuganotes、RutgersUniversityのKolHalayla、New YorkUniversityのAniV'Ata、YaleUniversityなどのユダヤ人の関心グループも全米での人気[79] [80] [81]

現代アカペラ(特に大学アカペラ)への関心の高まりは、現代アカペラ録音賞(現代アカペラ協会が監督)などの賞や、大学向けの大学アカペラ国際選手権などのコンテストの成長に見ることができます。グループとすべてのグループのハーモニースイープステークス。 2009年12月、新しいテレビコンペティションシリーズ ザ・シングオフ NBCで放映されました。ショーは、10万ドルの賞金とエピックレコード/ソニーミュージックとのレコーディング契約を争う米国とプエルトリコからの8つのアカペラグループを特色にしました。ショーはベン・フォールズ、ショーン・ストックマン、ニコール・シャージンガーによって審査され、プエルトリコのノタと呼ばれるすべての男性グループが優勝しました。ショーは、ヴァンダービルト大学のCommitted、Pentatonix、Home Free、The Melodoresがそれぞれ優勝し、第2シーズン、第3シーズン、第4シーズン、第5シーズンに戻ってきました。

毎年、何百もの大学アカペラグループがコンテストで最強の曲を提出し、世界中のアカペラグループの最高の大学からのトラックのアルバムコンピレーションであるベストオブカレッジアカペラ(BOCA)に参加します。このアルバムは、大学アカペラの国際選手権もプロデュースするVarsityVocalsとDekeSharonによってプロデュースされています。 )。民族音楽学者のジョシュア・S・ダンチャンによれば、「BOCAは、おそらくその寿命とその背後にいる個人の名声のために、他の編集物の出現にもかかわらず、フィールド内でかなりのキャッシュと尊敬を持っています。」 [82]

アカペラグループの大学は、各学年の初めにリリースされる2枚組のシリーズであるVoicesOnlyにトラックを提出することもできます。 2005年から毎年VoicesOnlyアルバムがリリースされています。[83]

さらに、すべての女性のアカペラグループは、最強の曲のトラックを女性のアカペラ協会(WACA)に送信して、毎年恒例の最高の女性のアカペラアルバムを入手できます。 WACAは、女性の声が認められるためのもう1つの媒体を提供し、2014年から毎年、全米の女性グループをフィーチャーしたアルバムをリリースしています。 [84]

アカペラの歌手の中には、言葉を歌うだけでなく、声帯や口で楽器の音を再生することで楽器をエミュレートする人もいます。多くの場合、特殊なピッチパイプを使用してピッチングします。この方法の初期の20世紀の実践者の1人は、1930年代の初期の録音ですべての楽器が声で行われたことをラベルに明確に述べたミルスブラザーズでした。最近では、2アンリミテッドの「トワイライトゾーン」がコメディーテレビシリーズの計装にアカペラで歌われました トンプキンズスクエア。言葉を歌う代わりに楽器をエミュレートするもう1つの有名な例は、 新しいアダムスファミリー Fox Family Channel(現在はフリーフォーム)のシリーズ。 Vocal SamplingやUndividedなどのグループは、アカペラのラテンリズムをエミュレートします。 1960年代、スウィングルシンガーズは自分たちの声を使って、楽器をバロック音楽やクラシック音楽にエミュレートしました。ボーカルアーティストのボビーマクファーリンは、楽器のエミュレーションで有名です。アカペラグループのNaturallySevenは、すべての楽器のボーカルトーンを使用して曲全体を再現します。

スウィングルシンガーズは、楽器のように聞こえるためにアドリブを使用しましたが、楽器の非言語バージョンを生成することが知られています。ビートボックスは、より正確にはボーカルパーカッションとして知られ、ヒップホップコミュニティで普及しているアカペラ音楽で使用される手法であり、ラップはアカペラで演奏されることがよくあります。ボイスパーカッションの出現により、アカペラのジャンルに新しい次元が加わり、現代の編曲で非常に普及しました。 [85]

ビートボックスは、口を形作り、ポップやクリックを疑似ドラム音として鳴らすことによって実行されることがよくあります。ビートボクサーがトレーニングを開始するために使用する人気のあるフレーズは、「ブーツと猫」というフレーズです。ビートボクサーがトレーニングを進めると、母音を削除してそこから続行し、初心者のビートボクサーの堅実な基盤である「btsnctsn」サウンドをエミュレートします。このフレーズは、ビートボックスに頼んだときにSiriが「BootsandCats」と唱えるほど人気が​​あります。 [86]

ジャズボーカリストのペトラヘイデンは、4トラックレコーダーを使用してアカペラバージョンの 売り切れた人 彼女のアルバムに楽器や偽の広告を含める ペトラ・ヘイデンが歌う:売り切れた人 ハーデンはまた、ジャーニーの「ドント・ストップ・ビリービン」、ビーチ・ボーイズの「神のみぞ知る」、マイケル・ジャクソンの「スリラー」のアカペラバージョンをリリースしました。

クリスチャンロックグループのリライアントKがアルバムにアカペラ「PleadtheFifth」を録音しました 5スコアと7年前。このグループは、リードシンガーのマット・ティーセンがドラムの音を立てて録音し、電子ドラムマシンで演奏して曲を録音し、真のアカペラと楽器の使用の境界線を曖昧にしました。


赤十字はどういう意味ですか?

これは魅力的な音楽史です。これは記譜法の例であり、新しい声がいつ始まるかを示します。ウェセックスパラレルウェブテキストによると、原稿の下部にラテン語の指示があり、次のように翻訳されています。&ldquoこのラウンドは4人で一緒に歌うことができます。そしてそれはこのように歌われます:他の人が沈黙している間、一人は「ペス」を持っている人と一緒に始まり、彼が最初の音符に来るとき 十字架の後、次のものが始まり、他の人と同じように続きます。そして、個々の歌手は、1つの長い音符のスペースのために、他の場所ではなく、書かれている場所で停止する必要があります。&rdquo


バロック(1600&#8211 1750)

ルネッサンス時代の終わりに拡大して、バロック時代は特定の音楽を書くことの創造を見ました 。しかし、バロック時代は一般的に複雑な作品と複雑なハーモニーで知られています。それでも、この期間は次の基礎を築きました 300年 音楽の。

現代のオーケストラのアイデアは、オペラ、協奏曲、ソナタ、カンタータとともに生まれました。作曲家がさまざまなアンサンブルの器楽作品を作曲するようになったため、合唱音楽はもはや王様ではありませんでした。 &#8220Classical&#8221音楽は徐々に社会に浸透し始め、ディナーパーティーや特別な行事で屋外で演奏されたり、オペラの形でスペクタクルとして演奏されたりしました。

ゲオルク・フレデリック・ヘンデル&#8216s 水上の音楽 ジョージ王のために作曲され、テムズ川で演奏された典型的なバロック時代の作品の優れた例です。

楽器のピースがより目立つようになるにつれて、個々の楽器は劇的に進歩しました。オーボエ、ファゴット、チェロ、コントラバス、フォルテピアノ(ピアノの初期バージョン)など、多くの新しい楽器が登場しました。ルネッサンスの弦楽器ファミリーは、バイオリン、ビオラ、チェロからのより強い音に置き換えられました。チェンバロの発明が盛んになり、既存の木管楽器と金管楽器はすべて更新され、進歩しました。バロック時代には、ティンパニ、スネアドラム、タンバリン、カスタネットなどの楽器によるより強い打楽器も導入されました。

初期のバロック作曲家にはクラウディオ・モンテヴェルディ、アレッサンドロ・スカルラッティ、ヘンリー・パーセル、ジャン・バティスト・ルリーが含まれ、後のバロック作曲家にはヨハン・セバスチャン・バッハ、ジョージ・フレデリック・ヘンデル、ゲオルク・フィリップ・テレマン、ジャン・フィリップ・ラモー、ドミニコ・スカルラッティ、アントニオ・ヴィヴァルディが含まれていました。これらの後の作曲家は、クラシック音楽への移行に大きく貢献しました。


コンテンツ

音楽の正確な起源は、記録された歴史のはるか前に発生したため、不明です。人間の認識、ひいては音楽の起源がどの程度理解されるかについては議論が続いており、学者はしばしば二極化した立場を取っています。 [6] [n 1]音楽の起源は、言語の起源と本質的に関連していると定期的に議論されており、それらのつながりの性質は深刻な議論の対象となっています[9]が、後者ははるかに注目されています。 [10] [n 2]しかし、20世紀半ばから後半まで、学者がこのトピックに大きな注目を集めることはめったにありませんでした。 [12] [13] [n 3]このトピックの最近の復活以来、論争の主な原因は、音楽が一種の祖語として始まり、言語につながった適応の産物であるかどうか、または音楽がスパンドレルであるかどうかです(言語の結果である進化の表現型の副産物)。祖語の見方には長い歴史があり、著名な言語学者のオットー・イェスペルセンは1894年に、「言語は、個々の存在や出来事に対する半音楽的な分析されていない表現から始まった」と書いています。 [11] [15]反対の見方では、 心のしくみ (1997)、認知心理学者で言語学者のスティーブン・ピンカーは、音楽を単に「聴覚チーズケーキ」と呼んだことで有名であり[16] [17]、彼の音楽のスパンドレルとしての見方に関連するアナロジー[18]は、「生物学的原因と効果が懸念され、音楽は役に立たない」[19]そして「それは技術であり、適応ではない」。 [20]ダニエル・レヴィティンやジョセフ・キャロルなどの他の学者はこの見解を拒否しました。 [21]

音楽学者、認知科学者、言語学者、人類学者、生物学者、心理学者、神経学者からの寄稿を含む、音楽の起源に関する特定の理論についてはほとんどコンセンサスがありません。 [n 4]起源音楽に関する最初の注目すべき理論の中には、チャールズ・ダーウィンの1871年の本の数ページがあります。 人間の降下、そしてセックスに関連した選択。 [12] [23]他の注目すべき初期の理論には、カールビュッヒャー、ヨハンゴットフリートヘルダー、ジャンジャックルソー、ハーバートスペンサー、リチャードワラシェク[de]、特にカールシュトゥンプの理論が含まれます。 [24]音楽の起源は、自然に発生する音やリズムに由来する可能性が高いと示唆する人もいます。人間の音楽は、パターン、繰り返し、調性を使用してこれらの現象を反映する場合があります。今日でも、一部の文化では、自然音を模倣することを目的とした音楽の特定のインスタンスがあります。場合によっては、この機能はシャーマニズムの信念や実践に関連しています。 [25] [26]娯楽(ゲーム)[27] [28]または実用的(狩りに動物を誘惑する)[27]機能も提供する場合があります。最初の楽器は、歌ったり、口笛を吹いたり、クリックしたり、咳をしたり、あくびをしたりするなど、さまざまな音を出すことができる人間の声そのものだった可能性があります。

すべてではないにしても、ほとんどの文化には、音楽の作成に関する独自の神話上の起源があります。 [29]中国神話では、音楽の創造は文化英雄の伏羲に起因し、さまざまな神々は重要な楽器であるとされています。 シェン 黄帝(黄帝)とリュパイプ[30]と舜皇帝と paixiao そして音楽に関する中国哲学の創設者として。 [31] [n6]によると LüshiChunqiu、西暦前2697年、伶倫は、黄帝の命令により、神話の歌を模倣してバンブーフルートを発明したと言われています。 鳳凰 鳥[n7]その後、彼は12音の十二律システムを作成しました。 [32] [33]古代ギリシャ神話では、音楽の発明はミューズ、[29]神々の王ゼウスの娘であったさまざまな女神の功績によるものです。 [34]

厳密に言えば、先史音楽(より一般的には過去に原始音楽と呼ばれていました[35] [36] [n 8])は、少なくとも600万年前に人間とチンパンジーが最後に始まった、先史文化(先史)で制作されたすべての音楽を含みます。共通の祖先がいました。 [37]

楽器に関しては、2008年に考古学者がドイツのウルム近くのホーレフェルス洞窟で骨笛を発見しました。 [38] [39] [40]約35、000年前と考えられている5穴フルートは、V字型のマウスピースを持ち、ハゲタカの翼の骨でできています。最も古い既知の木製パイプは、2004年にアイルランドのグレイストーンズ近郊で発見されました。木で裏打ちされたピットには、長さ30〜50 cmのイチイの木で作られた、一端が先細になっているが指穴のない6本のフルートのグループが含まれていました。それらはかつて一緒に縛られていたかもしれません。 [41]

5万年から6万年前のホラアナグマの大腿骨「ディヴィジェベイブフルート」は、世界最古の楽器であり、ネアンデルタール人によって製作されたことが示唆されています。 [42] [43]しかしながら、大腿骨が確かに楽器であるという主張は、大腿骨が肉食動物によってかじられて穴を開けたかもしれないという示唆を含む代替理論によって争われている。 [44]

執筆の出現に続いて、識字文明は古代世界の一部と呼ばれ、cのアブサラビク(現在のイラク南部)の最初のシュメール文学から拡張された時代区分です。西暦前2600年、西暦6世紀のポストクラシカル時代まで。 [45] [46]古代社会の音楽は非常に多様でしたが、いくつかの基本的な概念、すなわちモノフォニー、即興、音楽環境におけるテキストの優位性が事実上すべてに生じています。 [47]「最も古い既知の歌」は楔形文字で書かれ、シリアのウガリットから3400年前にさかのぼります。それはフルリの歌の一部であり、より具体的にはフルリの賛美歌です。 6.アン・ドラフコーン・キルマーによって解読され、古代のように3分の1のハーモニーで構成されていることが実証されました ジムエル、[48]、また全音階のピタゴラス調律を使用して書かれました。世界のどこからでも、記譜法を含む完全な音楽作品の最も古い生き残った例は、西暦1世紀または2世紀のセイキロスの墓です。

古代ギリシャ人が使用したものなどの二重パイプ、古代のバグパイプ、花瓶や壁などの古代の図面のレビュー、および古代の書物(アリストテレスなど、 問題、 当時の音楽技法を説明した本XIX.12)は、ポリフォニーを示しています。アウロスペアの1本のパイプ(ダブルフルート)はドローンまたは「基調講演」として機能し、もう1本はメロディックなパッセージを演奏しました。インダス文明の遺跡から、7つの穴の開いたフルートやさまざまな種類の弦楽器などの楽器が回収されました。 [49]

中国編集

Xia、Shang、およびZhou Edit

紀元前13世紀半ばまでに、殷王朝は執筆を発展させました。これは主に儀式的な甲骨の神託の碑文としてだけでなく、いくつかの青銅の碑文としても存在します。 [50] [51]しかし、音楽文化の証拠は、これと、伶倫による紀元前2967年の伝説的なフルートの発明の両方に先立っています。西暦前6000年、[52] [n 9]以降、浙江省余姚市河姚渡のさまざまな骨笛。紀元前5000年。 [54]夏王朝(2070年から1600年頃)にさかのぼる唯一の楽器は2つです 、2つの小さな鐘(1つは陶器、1つは青銅)と 。 [55]生き残った楽器のこの極端な不足と、夏の大部分を取り巻く一般的な不確実性のために、その時代の音楽的な物語を作成することは非現実的です。 [55]殷王朝(1600-1046)では、11もの甲骨文字がある程度音楽を参照している可能性があり、その一部は楽器自体の象徴的な表現です。 [56]石の鐘 シャンの支配階級に特に人気があったようであり[n10]、生き残ったフルートはシャンに日付が付けられていませんが[58]、甲骨文字の証拠は、彼らがオカリナを使用したことを示唆しています()、横笛(シャオ笛子)、二重パイプ、マウスオルガン(シェン)、そして多分パンフルート(xaixiao)。 [59] [n 11]紀元前2000年に青銅が出現した後、[61]シャンは、鐘の材料を使用しました。 ling [zh] (鈴)、 nao [zh] (鐃)と (鐘)[53] —これは、クラッパーの有無と、内側または外側で打たれたものの2つの方法で区別できます。 [62]シャン以前からは見られなかったドラム[63]は、木製であることが多かったものの、ブロンズを使用することもありました(バング)。 [64] [53] [n 12]

インド編集

インド古典音楽(マルガ)は、ヒンドゥー教の伝統であるヴェーダの経典から見つけることができます。 4つのヴェーダの1つであるサマヴェーダは、音楽について詳しく説明しています。

Ravanahatha(ravanhatta、rawanhattha、ravanastron、またはravana hasta veena)は、西インドで人気の擦弦楽器です。ラーヴァナ王の時代にスリランカのヘラ文明に端を発したと考えられています。この弦楽器は、世界史上最も古い弦楽器の1つとして認識されています。

イラン編集

イランの音楽発展の歴史(ペルシャ音楽)は先史時代にまでさかのぼります。偉大な伝説の王、ジャムシードは、音楽の発明で有名です。 [66]イランの音楽は、エラム帝国(西暦前2500年から644年)の時代にまでさかのぼることができます。国の歴史のさまざまな時代からの断片的な文書は、古代ペルシャ人が精巧な音楽文化を持っていたことを証明しています。特に、サーサーン朝時代(AD 226–651)は、ペルシャに活気のある音楽生活が存在することを示す十分な証拠を残してきました。バールバド、ナキサ、ラムティンなどの重要なミュージシャンの名前と、彼らの作品のいくつかのタイトルは残っています。

ギリシャ編集

ギリシャの歴史は古代ギリシャにまでさかのぼり、古代ギリシャの劇場の主要な部分でした。古代ギリシャでは、娯楽、祝賀、精神的な理由で男女混合の合唱が行われました。 [ 要出典 ]楽器には、最も重要な管楽器であるダブルリードのアウロス[67]と、撥弦楽器であるリラ[68]、特にキタラと呼ばれる特別な種類の楽器が含まれていました。音楽は古代ギリシャの教育の重要な部分であり、男の子は6歳から音楽を教えられました。

イーストン聖書辞典によると、ジュバルは聖書によって楽器の発明者として指名されました(創世記4:21)。ヘブライ人は音楽の栽培に多くのことを与えられました。彼らの全歴史と文献は、これの豊富な証拠を提供します。大洪水の後、音楽について最初に言及されたのは、ラバンがジェイコブにインタビューしたことです(創世記31:27)。紅海を勝利を収めて通過した後、モーセとイスラエルの子供たちは彼らの救いの歌を歌いました(例15)。しかし、サミュエル、デビッド、ソロモンの時代は、ヘブライの詩のように、ヘブライ音楽の黄金時代でした。音楽は今や初めて体系的に栽培されました。それは預言者の学校での訓練の本質的な部分でした(サム一10:5)。今ではプロの歌手のクラスも生まれました(サム二19:35伝道の書2:8)。しかし、ソロモンの神殿は素晴らしい音楽学校でした。その奉仕の実施において、訓練された歌手と楽器の演奏者の大規模なバンドが絶えず雇用されました(サム二6:51歴15:16235 25:1–6)。私生活においても、音楽はヘブライ人の間で重要な位置を占めていたようです(伝道の書2:8アモス6:4–6イザ5:11、12 24:8、9詩137エレ48:33ルカ15: 25)。 [69]

セミティック文化と初期ユダヤ文化の歴史と人類学を研究している音楽と演劇の学者は、ヘブライ人の古典文化における演劇と音楽活動と、ギリシャ人とローマ人の後期文化の活動との共通のつながりも発見しました。パフォーマンスの共通領域は、一連の呼び出しまたは嘆願からなる祈りの形式である「連祷と呼ばれる社会現象」に見られます。 宗教と演劇のジャーナル 連祷の初期の形態の中で、「ヘブライの連祷は豊かな音楽の伝統を伴っていた」と述べている[70]。

創世記4.21は、ジュバルを「ハープやパイプを扱うなどすべての父」と特定していますが、ペンタチュークはイスラエルの初期の音楽の練習と指導についてほとんど沈黙しています。それから、サムエル記10とそれに続くテキストでは、奇妙なことが起こります。 「聖書のテキストに見られる」とアルフレッド・センドリーは書いている。「徹底的に組織化され訓練された音楽グループからなる大規模な合唱団とオーケストラの突然の説明のつかない急増。これにより、一部の学者は、預言者サムエルが、預言者や聖人だけでなく、神聖な儀式の音楽家も教えた学校の総主教であると信じるようになりました。この公立音楽学校は、おそらく記録された歴史の中で最も初期のものであり、司祭のクラスに限定されていませんでした。これは、羊飼いの少年デイビッドがソール王のミンストレルとして現場​​に登場する方法です。 [70]

古楽編集

中世音楽編集

楽器の芸術的描写、音楽に関する著作、その他の記録によって証明されるように、音楽生活は間違いなく中世初期に豊かでしたが、800年以前から現在まで生き残った音楽の唯一のレパートリーは、ローマカトリック教会、その最大の部分はグレゴリオ聖歌と呼ばれています。音楽レパートリーに彼の名前を与え、彼自身が作曲家であったかもしれない教皇グレゴリウス1世は、通常、現在の形で典礼の音楽部分の創始者であると主張されていますが、彼の貢献日についての詳細は彼の死後100年以上。多くの学者は、彼の評判は伝説によって誇張されていると信じています。聖歌のレパートリーのほとんどは、グレゴリーとシャルルマーニュの時代の間の何世紀にもわたって匿名で作曲されました。

9世紀の間に、いくつかの重要な発展が起こりました。第一に、多くの聖歌の伝統を統一し、グレゴリアの聖歌を支持してそれらの多くを抑圧するための教会による大きな努力がありました。第二に、最も初期のポリフォニック音楽が歌われました。これは、オルガヌムとして知られる並行歌唱の形式です。第三に、音楽史にとって最も重要なのは、約500年の経過後に記譜法が再発明されたということです。ただし、現代のミュージシャンが当たり前と思っている精度と柔軟性を備えたピッチとリズムの記譜法のシステムが進化するまでには、さらに数世紀かかります。

1100年以降、いくつかのポリフォニーの学校が栄えました。その音楽は、作曲家のレオニンとペロティヌスを含むノートルダム楽派のポリフォニーの単一の持続的な線上をすばやく動く部分によって特徴付けられることがよくありました。 、そして1200年頃に2部以上の最初の音楽を生み出したガリシアのサンティアゴデコンポステーラの音楽のるつぼ、巡礼の目的地であり、中世後期に多くの伝統のミュージシャンが集まった場所であり、その音楽はコーデックスカリクスティヌスとイングリッシュスクール、その音楽はウースターフラグメントとオールドホール原稿に残っています。これらの宗教音楽の学校と並んで、トルバドゥール、トルヴェール、ミンネザングの音楽に例示されているように、世俗歌の活気に満ちた伝統が発展しました。初期のルネッサンスの後期の世俗音楽の多くは、13世紀初頭のアルビジョア十字軍の間に文化が大部分が根絶されたトルバドゥール、宮廷詩人、巡回音楽家の形式、アイデア、音楽美学から発展しました。

13世紀後半に発展した宗教音楽の形式には、モテット、コンダクタス、ディスカント、クラウスラが含まれていました。 1つの珍しい開発は ガイスラーリーダー、2つの期間中の鞭打苦行者の放浪バンドの音楽:13世紀半ば(教会によって抑圧されるまで)と、彼らの活動が鮮やかに記録され、よく記録された1350年頃のペスト中および直後の期間-記譜された音楽で文書化されています。彼らの音楽は、民謡のスタイルと黙示録的または終末論的なテキストを混ぜ合わせました。ヨーロッパの音楽史における14世紀は、 ars nova、それは初期のルネサンスの理想と美学と多くの共通点を持っていたにもかかわらず、慣例により音楽の中世の時代とグループ化されています。当時の生き残った音楽の多くは世俗的であり、同じ名前の詩的な形式に対応するバラード、ヴィルレー、ライ、ロンドーなどの形式の修正を使用する傾向があります。これらの形式のほとんどの作品は、おそらく楽器の伴奏を伴う1〜3声用です。有名な作曲家には、ギヨーム・ド・マショーやフランチェスコ・ランディーニが含まれます。

ルネサンス音楽編集

音楽のルネサンスの始まりは、他の芸術のルネサンスの始まりほど明確にマークされておらず、他の芸術とは異なり、イタリアではなく、北ヨーロッパ、特に現在中央とフランス北部、オランダ、ベルギー。フランドル楽派の第一世代が知られているブルゴーニュの作曲家のスタイルは、最初は14世紀後半の過度の複雑さと礼儀正しいスタイルに対する反応でした。 アルス・スブティリオール、すべての声にクリアで歌えるメロディーとバランスの取れたポリフォニーが含まれていました。 15世紀半ばのブルゴーニュ楽派の最も有名な作曲家は、ギヨームデュファイ、ジルバンショワ、アントワーヌビュノワです。

15世紀半ばまでに、ネーデルラントとその周辺地域の作曲家や歌手がヨーロッパ中、特にイタリアに広がり始め、そこで教皇の礼拝堂や芸術の貴族の常連客(メディチ家、エステ、およびスフォルツァ家)。彼らは彼らのスタイルを持っていました:必要に応じて神聖なまたは世俗的な使用に適応することができる滑らかなポリフォニー。当時の宗教音楽の主な形式は、ミサ、モテットであり、シャンソン、フロットーラ、そして後にマドリガーレが含まれていました。

印刷の発明は音楽スタイルの普及に計り知れない影響を及ぼし、フランドル楽派のミュー​​ジシャンの動きとともに、シャルルマーニュの下でグレゴリオ聖歌が統一されて以来、ヨーロッパ音楽における最初の真に国際的なスタイルの確立に貢献しました。 [ 要出典 ]フランドル楽派の中世代の作曲家には、ヨハネスオケゲムが含まれていました。ヨハネスオケゲムは、過去数十年で最も有名な大衆の作曲家の1人である、さまざまな質感と標準的な装置の精巧な使用により、非常に複雑なスタイルで音楽を書きました。 15世紀のジョスカン・デ・プレ、おそらくパレストリーナ以前のヨーロッパで最も有名な作曲家であり、16世紀にはあらゆる形で最も偉大な芸術家の一人として有名でした。ジョスキンが対位法の複雑さの増大を探求した後の世代の音楽は、おそらく最も極端な表現はニコラゴンベールの音楽であり、その対位法の複雑さはカンツォーナやリチェルカーレなどの初期の器楽に影響を与え、最終的にはバロックのフーガル形式になりました。

16世紀半ばまでに、国際的なスタイルは崩壊し始め、いくつかの非常に多様な様式の傾向が明らかになりました。ジョヴァンニの音楽に例示されている、トレントの反改革評議会によって指示された、神聖な音楽の単純さへの傾向です。ピエルルイジダパレストリーナは、マドリガルの複雑さと色彩主義への傾向であり、ルッツァスコのフェラーラ学校と後世紀のマドリガリストのカルロジェズアルドの前衛的なスタイルと、反響のコントラストを作成するためのサンマルコ寺院の建築。ヴェネツィア派の音楽には、オーケストレーション、装飾された器楽パート、通奏低音パートの開発が含まれ、これらはすべて1600年頃の数十年の間に発生しました。ヴェネツィアの有名な作曲家には、ガブリエリス、アンドレア、ジョバンニ、クラウディオが含まれます。時代の終わりに最も重要なイノベーターの1人であるモンテヴェルディ。

ヨーロッパのほとんどの地域では、世紀の終わりまでに活発で差別化された音楽の伝統がありました。イギリスでは、トーマス・タリスやウィリアム・バードなどの作曲家が大陸で書かれたものと同様のスタイルで宗教音楽を書き、自国のマドリガリストの活発なグループがイタリアの形式をイギリスの好みに適合させました。有名な作曲家にはトーマス・モーリー、ジョン・ウィルビーが含まれます。とトーマスウィールクス。スペインは独自の器楽と声楽のスタイルを開発し、トマスルイスデビクトリアはパレストリーナと同様の洗練された音楽を書き、他の多くの作曲家は新しいギターのために書いています。ドイツは、宗教音楽の基礎としてローマカトリックのグレゴリオ聖歌に取って代わったプロテスタントの合唱に基づいて構築されたポリフォニック形式を栽培し、ベネチアの学校のスタイルをインポートしました(その外観はそこでバロック時代の始まりを定義しました)。さらに、ドイツの作曲家は膨大な量のオルガン音楽を書き、J.S。の作品で最高潮に達した後のバロックオルガンスタイルの基礎を確立しました。バッハ。フランスは、ギヨーム・コストリーやクロード・ル・ジューンなどの作曲家を中心に、世俗的なシャンソンで使用されるムジーク・メスレと呼ばれる独特の音楽ディクションのスタイルを開発しました。

当時の最も革命的な動きの1つは、1570年代と1580年代にフィレンツェで起こりました。皮肉なことに、反動的な意図を持っていたフィレンツェのカメラータの作品でした。現代音楽の堕落として見たものに不満を持っていた彼らの目標は、古代ギリシャ人の音楽。その中でチーフは、天文学者の父であるヴィンチェンツォガリレイとジュリオカッチーニでした。彼らの努力の成果は、モノディとして知られている朗読的なメロディックな歌唱スタイルと、それに対応する段階的な劇的な形式、つまり今日オペラとして知られている形式でした。 1600年頃に書かれた最初のオペラは、ルネッサンスの終わりとバロック時代の始まりも定義しています。

1600年以前の音楽は、調性ではなくモーダルでした。ジョゼッフォ・ザルリーノやフランキヌス・ガフリウスによる旋法のスケールでの執筆など、16世紀後半のいくつかの理論的発展は、一般的な調性の発展に直接つながりました。長音階と短音階が古い教会旋法よりも優勢になり始めました。この特徴は、最初は作曲のリズムのポイントで最も明白でしたが、徐々に普及していきました。 1600年以降の音楽は、バロック時代の調性音楽から始まり、一般的な練習期間に属するとよく言われます。


セイキロスの墓碑

研究者はセイキロスの墓の作成についてほとんど手がかりを持っていません。彼らが知っていることは、石碑の碑文が「セイキロスからエウテルペーへ」と翻訳される可能性があるということです。歴史家は、作曲家であるセイキロスという男性が、おそらく亡くなった妻であるユーテルペという女性のために歌を書いたと信じています。彼女のためにこの墓石に。

しかし、テキストの別の可能な解釈は、&#8220Seikilos、Euterpe [またはEuterpos]の息子&#8221である可能性があるため、曲が実際に彼の母親に捧げられた可能性があります。

完全な歌詞は、物事を明確に明確にするものではありません。

&#8220あなたが生きている限り、輝き、
計り知れないほどあなたを悲しませないでください。
あなたの人生は短いので、
そして時間はその犠牲を主張するでしょう。&#8221

歌詞に加えて、パズルのもう1つのピースは、「私は墓石、画像です」と書かれた石碑に刻まれた碑文です。セイキロスは私を死のない記憶の永遠のしるしとしてここに置きました。」

したがって、この曲は、愛する人の墓石に刻まれた、つかの間の生命の性質を思い出させる一種の喪の歌であることは間違いありません。しかし、セイキロスの墓碑については、残りの多くは不明なままです。

しかし、研究者たちは、テキストに付随するメロディーの古代ギリシャ語の表記法を研究することができました。このタイプの記譜法は、音節と音高を示すために上にマークが付いた古代ギリシャ文字を使用していました(研究者はこのタイプの記譜法が使用された期間を知っているため、これにより石碑の日付も付けられました)。

文字とアクセントを調べることにより、研究者は最終的に作品を現代の記譜法に書き写すことができました。

このように、今日の人々は、約2、000年前に作曲された曲であるセイキロスの墓を聞くことができます。


それはあなたが「今日もプレイしている」とはどういう意味かによります。表記された音楽の最も初期の既知のコレクションは、紀元前1400年頃に書かれたフルリ人の賛美歌第6号を含むフルリ人の歌です。ここにリラで演奏された録音があります。

それが「今日でも演奏されている」かどうかについて答える際に、この曲や他の古代の音楽を演奏するマイケル・レヴィと呼ばれる作詞家がいます。彼がこの作品を演奏している2012年のビデオがあります。それは私が見つけることができる最新の録音です。


古典主義とロマン主義

20世紀の著名な音楽百科全書派であるフリードリヒ・ブルーメは、鋭いエッセイの中で、古典主義とロマン主義は反対ではなく、18世紀以来芸術を導いてきた付随的で補完的な傾向であると説得力を持って主張しています。 1どちらも、過去の理想への一定の復帰を意味しました。ローマ帝国の時代からそれ自体が「階級」にあったものに適用され、したがって模範的であった古典という言葉は、今では古代の芸術自体に適用されましたが、ロマンチックという言葉は「ローマ人」、中世の叙事詩、したがって、南の太陽ではなく北の気候の霧から生まれた民間伝承と芸術を発展させたより最近の過去へ。古典的な明晰さ、均衡、そして遠隔性とは異なり、その精神は、さまざまな即時性、感情的な気分の変化、意図的に測定されたものではなく、情熱的で幻想的で夢のような神秘的な「ロマンチック」なものです。

異質な要素の並置は、劇的な芸術の正当な遺贈と見なされる可能性があり、これまでにない新しい方法で、音楽はドラマによって支配されていました。オペラ自体は2つの対照的な形式に発展しました:深刻なオペラ、 オペラセリア 、およびコミックオペラ、 オペラ・ブッファ 。後者は、特にイタリア南部のナポリで、アレッサンドロ・スカルラッティとその信奉者であるレオナルド・レオとジョヴァンニ・バッティスタ・ペルゴレージの手によって進化しました。歴史や神話の主題ではなく、現代のタイプや状況を扱い、オペラに活気を与える要素であるアンサンブルを提供しました。演劇では不可能だった、異なる人物や気分の同時表現が、ポリフォニーに新しい機能を与え、これから見ていくように、器楽にも大きな影響を与えました。

オペラ・セリアは、その有名な台本家、ピエトロ・メタスタシオ、彼自身が才能のあるミュージシャンによって長い間支配されていました。しかし、伝統的な形式の活力は徐々に低下し、ロマン・ロランは、メタスタシオの影響がオペラの差し迫った改革の多くを予告したことを示しました。 2ご存知のように、それは、一部は高齢のヘンデルとの出会いを通じて、クリストフ・ウィリバルド・フォン・グルックの画期的な作品によってもたらされました。 オルフェオ.

オペラ・ブッファの台頭の重要人物は、彼の短い人生の中でオペラの歴史を真に変えたペルゴレージでした。彼の有名なミニチュア、 奥様女中 (愛人としての使用人)は、初期のオペラ・ブッファの一般的な方法で、オペラ・セリアの行為の間に提示される間奏曲のシーンとして設計されました。しかし、そのタイトルは、若い子会社の形態が支配的な役割を果たす運命にあったことを象徴していました。私たちはここで革命の時代の夜明けを感じます。そしてそれは18世紀の音楽のもう一つの根本的な発展にも同様に反映されていました。アルカンジェロ・コレッリやアントニオ・ヴィヴァルディなどのイタリアの巨匠の作品や、バッハやヘンデルの作品で器楽の指導者に昇進した協奏曲は、この指導力を新しいジャンルと共有し始めました。アレッサンドロ・スカルラッティは、ルリアンスタイルの古いオペラ序曲を変容させ、そのゆっくりとしたペースの始まり(しばしば終わりのために再開された)で、その遅いセクションと速いセクションを逆転させました。彼が古くからの用語を採用した彼の序曲 シンフォニア 、活気のある(アレグロ)テンポで開閉し、新しい形は最終的にクラシック交響曲で独立を獲得しました。その独立は完全になりました。歌手が演じたドラマから小さな紹介が同化したものは、新しい劇的な装いをしました。それはオーケストラピット(またはそれに相当するもの)から上昇し、ステージを征服しました。そのヒーローとヒロインはテーマと器楽の音色であり、オペラのアンサンブル技法の助けを借りて、これからの時代の音楽生活を支配する新しい純粋な器楽の形が生まれました。

最初の重要な交響曲家の1人はC.P. E.バッハであり、J。S。バッハの作品の遺産において、私たちは古典的でロマンチックな指向の振動する役割を再び認識しています。バッハには100人近くの学生がいましたが、彼の死後の認識はゆっくりと成長しましたが、彼の偉大さを認識して理解した人々にとって、彼の作品は古典主義の精神から生まれた言葉で記述された理想的なモデルの身長を想定していました。後年バッハの第一人者であったベルリンの法廷指揮者ヨハン・フィリップ・キルンベルガーは、2巻の論文を発表しました。 作曲の芸術(Die Kunst des reinen Satzes、1774/1779)-彼が言ったように、「故J.S.バッハの方法を原則に還元することによって得られる芸術」。そして、キルンベルガーのベルリンの同僚であるフリードリヒ・ヴィルヘルム・マープルグは、バッハの登場に促されました。 フーガの技法 発行する フーガのマニュアル(Abhandlung von der Fuge、 1753/54)、バッハの2人の長男に彼の作品を捧げる際の「芸術の原則」について語っています。

後年、ベルリンの法廷指揮者であるヨハン・フリードリッヒ・ライカートは、バッハのコラールを「ドイツ芸術の最高の業績」と称賛し、バッハを「すべての時代と国の最大の調和主義者」と呼んだ。この声明は、オペラ・ブッファのドイツ版である現代形式のジングシュピールの主要な代表者の1人からのものであるため、さらに興味深いものです。しかし、新旧の音楽の世界はさまざまな方法で出会い、交差しました。ヨハン・アダム・ヒラーは、ベルリンでジングシュピールの作曲家としても活躍し、バッハのライプツィヒ事務所の後継者の1人になりました。

このように、私たちは非常に幅広い音楽の個性とトレンドを扱っており、さまざまなスタイルの開発の概要を提供する最初の音楽史家を生み出したのは、18世紀の音楽の特徴的な現象です。古代の音楽の3巻の歴史の著者であり、バッハの末息子であるヨハン・クリスチャンとモーツァルトの教師である、学んだパドレ・ジャンバッティスタ・マティーニは、再び「世界的に有名なバッハ」について語りました。イギリスの歴史家チャールズ・バーニー、その 音楽の歴史 (1776-1789)は当時の同様の作品の中で際立っており、バッハの作品を扱うことができませんでしたが、バッハの彼の賞賛は現代人によって報告されました。バッハの作品をイギリスで最初に知らしめた著名なオルガニストであり、ライプツィヒの巨匠に敬意を表して息子のセバスチャンを指名したサミュエル・ウェスレーは、同僚への手紙の中で、バーニーが「最も心のこもった崇拝を示した」と語った。私たちの聖なるミュージシャンのために。」

結局、ロマン派はバッハを自分たちのものだと主張し、彼の作品を全世界に知らしめました。メンデルスゾーンがマタイ受難曲を画期的に復活させたことを知っています。これは、ベルリンでバッハのモテットを復活させた教師のカールフリードリヒゼルターの助けを借りて行われました。 シンガカデミエ、そしてバッハのオルガン作品に完全に捧げられた最初のリサイタルを行ったのもメンデルスゾーンでした。彼の影響は決定的な変化をもたらしました。バッハの名前は18世紀を通じてすべての人に知られていましたが、バッハの有名な息子のいずれか、およびヨハン・セバスチャンの領域から完全に削除された作品を一般的に指していました。バッハ。モーツァルトが1778年にパリから父親に宛てた手紙の中で、「カペルマイスターバッハがもうすぐ到着します。..ご存知のように、私は彼を心から愛し、尊敬しています」とヨハンクリスチャンバッハについて話し、ハイドンが彼の偉大さを認めたときバッハへの借金、彼はフィリップエマニュエルに言及した。

18世紀後半の音楽を引き継いだのは、ソナタ、弦楽四重奏、交響曲の領域であり、最後に親に十分に返済されたものでした。狭義には、古典派音楽とは、ハイドンとモーツァルトの作品に生まれたスタイルであるウィーン古典主義を意味すると理解されています。しかし、ハイドンの交響曲の進化における重要な段階は、彼の創造的なキャリアの中で「ロマンチックな危機」として知られるようになりました。

ハイドンの長寿は18世紀の最初の3分の1から19世紀の初めまで延長されました。彼は老後の彼の最大の作曲を書いた。彼の芸術の秘密は彼の驚くべき若返りの力だったと言う人もいるかもしれません。彼の作品に最も強い影響を与えたのはモーツァルトとの出会いでした。モーツァルトは、ほぼ四半世紀先輩であるハイドンの影響を強く受けました。両方のマスターの作品はすべてのジャンルを包含しました。ハイドンは事実上弦楽四重奏を作成しましたが、彼の教会音楽はバロックの強いルーツにまでさかのぼり、オラトリオでの彼の負債はヘンデルに明白にあります。彼のオペラでは、ジョヴァンニ・パイジエッロやドメニコ・チマローザなどのイタリアの作曲家をピアノ作品でフォローしましたが、彼の交響曲では、皇室の作曲家ゲオルク・クリストフ・ワーゲンセイルの作品などから出発点を取りました。彼の最もウィーン人でした。これらすべての形で、彼は最高の高さをもたらしました。しかし後世は、バッハのように、ハイドンの名前が当時二重の意味を持っていたことをほとんど忘れていました。ザルツブルクの宮廷でモーツァルトに仕え、兄の作品に影を落としたミヒャエル・ハイドンのアカペラ音楽の中で、クラシックのイメージが若いシューベルトに最も真に明らかにされました。シューベルトは学生として、「ハイドンの方法で書かれた」ボーカルトリオ(断片的な形でのみ保存されている)の後に、ミヒャエルハイドンのスタイルを意味し、後年に弟に宛てた手紙の中で次のように述べています。シューベルトは、ミヒャエルハイドンに建てられた記念碑を訪れたときの彼の考えを次のように述べています。

モーツァルトの6弦楽四重奏曲のコレクションに付随するジョセフハイドンへの献身の手紙には、初期の文書にはない同様の愛情が表されており、このジャンルの傑作であるオーパスXとして出版されました。このコレクションの幅広いモーツァルティアナは、同様に幅広い個人的な愛着を証明しています。モーツァルトの伝記は、作曲家の父親であるレオポルトモーツァルトに名誉ある場所を与えました。レオポルトモーツァルトは、子供の天才に独特の豊かな教育を提供し、彼の外見を共有した妹のマリアアンナ(「ナネル」)に職業生活の後期において重要な人物であり続けました。父親と一緒にヨーロッパ中を旅した初期の頃、モーツァルトの弟子であるフランツ・クサーバー・ススマイヤーは、教師の最後の作品であるレクイエムを終えたと考えられています。世紀。これらの関連性は、モーツァルトの手書きが父親、ススマイヤー、アットウッドと混同されており、学者が関係する事例で明確なテキストを確立するのに長い時間がかかったことを示しています。

高揚感と悲劇はモーツァルトの短い人生の中で混ざり合っていました-ハイドンのスパンの半分未満でした。後世にとって、魅力的でロマンティックなロココ様式のアイドルが、非常に若い年に英雄的な人物、古典的なマスターに成長したこと、そして実際、完全な真剣さが常に遊び心のあるアーティストの生活に浸透したことを完全に理解することは困難でした。ここでも、革命の時代は、伝統的な支持裁判所や教会の地位を獲得できず、以前のヘンデルよりも社会で多くの独立した地位を占めるのに適していない作曲家のキャリアに影を落としました。彼の後のベートーベン。

彼は弦楽四重奏でハイドンの学生でしたが、彼の交響曲は年上のマスターの仕事に影響を与え、後者はオペラのジャンルにおけるモーツァルトの優位性を明確に認めました。それでも、ハイドンとの出会いは、彼の芸術的志向のターニングポイントであり続け、ポリフォニーの新たな探求と、ハイドンの後のオラトリオの台本家である宮廷司書の著名な音楽コレクションを通じて知り合った過去のスタイルの同化へと導きました。ゴットフリートヴァンスウィーテン。

モーツァルトのイタリアのメロディーとドイツの対位法の融合、彼の合成力と奇跡的に肥沃な想像力、そして特に彼の特徴づけの力は、オペラ・ブッファを劇的な形に引き上げ、観客に真剣に語りかけました。モーツァルトは幸運にも、ウィーンの宮廷詩人ロレンツォ・ダ・ポンテで熟練した台本家を見つけました。彼は彼に最も重要なオペラ・ブッファのテキストを提供しました。と フィガロ、ペルゴレージの使用人の優位性というテーマが、ダポンテが採用したボーマルシェのテキストを通じて新たな高みへと運ばれる作品であるオペラ・ブッファは、コミックオペラの親子関係を否定することはありませんが、真の人間ドラマになりました。ドン・ジョヴァンニの悪魔の物語は題されました ドラマ・ジョコーソ。とともに 魔笛、ウィーンの郊外の劇場のために書かれたモーツァルトは、ドイツのジングシュピールの水牛をドイツのグランドオペラの基礎となったものに変えました。

ウィーン古典主義の巨匠の3世代は、印象的な方法で重なり合っています。ハイドンが最後の交響曲と四重奏曲を書き、モーツァルトが最後のオペラを書いたときまでに、若いベートーベンはモーツァルトに師事するためにウィーンに旅立っていました。彼の初期の作品はすでに国際市場に出回っていましたが、それでも彼は集中的な学習コースの必要性を感じていました。シューベルトの経歴に類似点を見いだしたこの事実は、現代の世代の作曲家が工芸品を見るという非常に広い視野を示しています。ベートーベンは故郷のボンに呼び戻され、そこで選挙裁判所で奉仕していました。数年後、モーツァルトがウィーンに戻ることができたとき、ベートーベンはハイドンに指導を求めて亡くなり、彼の研究は保存されています。彼は自分の進歩に焦り、ウィーンのジングシュピール作曲家ヨハン・シェンク(ワーゲンセイルの学生)と相談して、密かにレッスンを補足しました。しかし、もう一度、事実は後世によってロマンチックにされました。ベートーベンの手書きとハイドンの手書きを組み合わせた文書は、厳密な対位法の技法の非常に慎重な調査を示しています。高齢の主人と彼の学生の交換は表面的なものではなく、しばしば主張されているように失敗であり、ハイドンがイギリスでの婚約のために2回目の旅に出たときの状況の特徴です(ベートーベンはもともと彼に同行する予定でした)、ベートーベンはハイドンの友人であるウィーンの大聖堂礼拝堂のマスターであるヨハン・ゲオルグ・アルブレヒトスベルガーとの対位法の研究に着手すると同時に、ウィーンの宮廷作曲家アントニオ・サリエリとイタリアの声楽スタイルで研究を始めました。

教訓的な取り組みの拡大された範囲は、世紀の変わり目の音楽の横流を反映しています。サリエリは、音楽史における役割が主に(そして不当に)モーツァルトの敵対者としての役割を果たしてきましたが、もはやそれと容易に会話できない世代にとって非常に重要なままであった伝統、つまりイタリアのオペラを表しています。彼の卓越した教育的影響は、それが帝国礼拝堂のマスターとしての聖歌隊員の訓練からウィーン音楽院の設立につながったという事実に反映されています。彼は若いシューベルトの教師であり、後年、マイアベーアとリストの教師でした。彼の同時代人の何人かは、主に彼らの教育マニュアルと系統だった研究のコレクションを通して記憶されています。パドレ・マティーニの学生であるスタニズラオ・マッテイとルイジ・ケルビーニの学生の場合、 検査官 その後、パリ音楽院の館長として、イグナツプライエル、ムツィオクレメンティ、カールツェルニーの作品に受け継がれた対位法の遺産であり、新しいピアニスティックアートであり、ロドルフクレゼールの有名な作品でした。 エチュードs、古典的なバイオリンの妙技のそれ。

作曲と器楽のこれらの指導者は、それ自体が作曲家であり、当然の認識であったことを忘れがちです。クロイツァーのオペラは、忘却に追いやられたものの、後の世代の作品に影響を与えなかったわけではなく、ケルビーニの神聖で劇的な作品はベートーベン(ソナタ作品47の献身でクロイツァーを称えた)から高く評価されました。クレメンティはモーツァルトの隣にランクされ、プレイエルはハイドンの隣にランクされました(彼は彼の献身的な学生でした)。しかし、ベートーベンがピアノの生徒として選び出し、教師としての指導が若いリストに決定的な影響を与えたツェルニーの名声は、今のように、彼のピアノ教育の天才にのみかかっていました。

音楽史に新たな状況が生じ、それによって創造的芸術と解釈的芸術の領域が分離され始めました。また、パフォーマンスはこれまで以上に解釈に限定されたままではなく、今では独自の役割を果たしています。それは、悪魔のヴァイオリニストであるニコロ・パガニーニが常に象徴として立っている、旅の名人の完全にロマンチックな姿に象徴されています。そして、それはパフォーマンスのすべての領域に拡張されました。特に魅力的な例は、ドメニコ・ドラゴネッティ、「コントラバスのパガニーニ」のキャリアです。彼の楽器の驚異的な熟練は、彼が友好的な関係にあったベートーベンの第5交響曲と第9交響曲のパッセージのデザインに明らかに影響を与えました。

専門のパフォーマーのカウンターパートが専門の教師になりました。 Zarlino、Artusi、Kirnbergerなどの過去の時代の理論家は、そもそも作曲家や演奏家として活躍し、高く評価されていました。しかし、シューベルトが最後の日々にまだ助言を求めていた、19世紀前半の主要なウィーンの理論家であるサイモン・ゼヒターは、ウィーン国立音楽大学で「通奏低音と作曲の教授」という新しい職業を代表していました。彼の伝えられるところでは8000以上の作曲は不明のままでした。しかし、彼が彼の時代に及ぼした広範な影響は、彼の長い在職期間の終わりに向かって、彼が実際に温室での教授職で彼を引き継いだアントン・ブルックナーの信頼できるメンターになったという事実によって特徴付けられます。ゼヒターは有名な教師として記憶されていますが、イギリスの作曲家トーマス・アトウッドの記憶は有名な学生の記憶として生き続けています。英国の宮廷音楽家の息子であるチャペルロイヤルの才能あふれる若いメンバーは、プリンスオブウェールズからイタリアで勉強するための奨学金を受け取っていました。 2つの有名なナポリタンの下で追求されたが マエストリ、彼らは最終的に満足のいくものではないことを証明し、アットウッドは「イタリアの学校の衰退を認識し、ドイツの学校の優勢を予見しました。..ウィーンに進み、すぐにモーツァルトの生徒になりました。」 3

モーツァルトの教師としての仕事が完全に文書化されているのは、アットウッドとの関係によるものです。彼が親友になった学生のために設計した研究コースは、2年間の大部分をカバーし、原稿はAttwoodによって慎重に保存され、公開されました。 4アットウッドは、後年、セントポールのオルガニストであり、チャペルロイヤルの作曲家であり、ウィーン古典主義の遺産の守護者になりました。イギリスでモーツァルトとベートーベンの交響曲を紹介する主な責任者は彼でした。しかし、同じように、彼は若いドイツのロマン主義者と19世紀のバッハのルネッサンスの擁護者になりました。メンデルスゾーンがバッハの聖マタイ受難曲の画期的な演奏を行った年は、64歳のアットウッドに暖かく迎えられたイギリスへの最初の旅でもありました。 2人の作曲家は、身長は異なりますが、同じ理想のいくつかに専念していることに気づきました。英国は、私たちが知っているように、メンデルスゾーンの2番目の故郷となり、音楽のクラシックとロマンティックな時代と呼ばれるようになった、老若男女の代表者の間で注目に値する関係が築かれました。

ベートーベンの作品ほど、クラシックなフォルムとロマンティックな表現が力強く融合しているところは他にありません。人気のあるアペラシオンは、運命への反抗を彼の第5交響曲に、月明かりの穏やかな静けさを彼のピアノソナタ作品に幾分表面的に結び付けています。 27、No.2。しかし、指定 グランデソナテパテティック 彼のピアノソナタopのために。 13、彼の最初のカルテット、協奏曲、交響曲の前に書かれ、 交響曲第3番 彼の第3交響曲のために、彼自身のものです。彼の伝記作家の一人はベートーベンを「音楽を解放した男」と呼んだ。これもまた薄っぺらな性質の口述である。それでもベートーベンは完全に革命時代の息子でした。ボナパルトが皇帝を宣言したとき、彼はナポレオンへの彼の第三交響曲の献身を引き裂きました。彼はの革新的なアイデアに専念していた リベルテエガリテ との理想 友愛 彼の第9交響曲を締めくくる頌歌で栄光を与えられています。ベートーベンを彼の時代に置いたのは芸術家の反逆です。彼は、献身した直後に、リクノウスキー伯爵に手紙を書きました。 ソナタ第3番 彼に、「王子様、あなたは私が何であるかという偶然の誕生によるあなたは何であるか、私は私自身です。」しかし、ベートーベンほど、法と秩序、古典的な規律と激しく闘った芸術家はいない。ロマン派は彼を彼らのものと主張することになっていたが、彼の人生の仕事は古典的な形式の線に沿って進んだ。このコレクションのベートーヴェニアナが、彼のスケッチからのサンプル(彼の至る所にある詳細な作業資料)とともに、モーツァルトの作品の1つからの彼のコピーを含むのは単なる偶然ではありません。ソナタ、カルテット、交響曲の古典的なジャンルを超えて、彼はオペラにさえ目を向けましたが、それは本質的に彼にとって異質な世界を表しており、彼の声楽作品は彼の交響曲の最大の勝利のいくつかを証明しています。

ベートーベンが フィデリオ (元は レオノーレ)、オペラのジャンルは広く普及していた。 2つのプロトタイプが オペラセリアオペラ・ブッファ、最初から相互に関連していた:後者は前者からの間奏曲の演奏で生じた。概して、未来が属するのはオペラ・ブッファでした。しかし、その本来の主題である主人と使用人の対立はその重要性を失い、むしろ、人間的および社会的影響は、漫画の要素が本物のドラマや悲劇と混ざり合うところまで広がっていました。それにもかかわらず、ジョアキーノロッシーニの セビリアの理髪師、その物語はモーツァルトと同じ文学的な情報源から来ました フィガロ、古いオペラ・ブッファは、彼の同時代の作品のいずれにおいてもその品質が達成されなかった永続的な記念碑を見つけました。

オペラセリアは、モーツァルトの最後のオペラで埋葬されたと言う人もいるかもしれませんが、 ラクレメンツァディティト、レオポルト2世の戴冠式のために委託されました。スコアにはモーツァルトの最高の著作の一部が含まれていますが、ジャンル自体が「グランドオペラ」、「何よりも革命時代を反映したジャンル。このように、「ヒロイックオペラ」と解放をテーマにした作品のタイプ「レスキューオペラ」について語る。後者は特に好意的な主題にその性質があるためである。当時のフランス文学モデルで、ベートーベンの興味を引いたのはこのタイプでした。 フィデリオ は本物の救出オペラであり、そのテキストはフランスの台本家ジャン・ニコラス・ブイイの作品にまでさかのぼりますが、ウィーンの音楽生活の発展に影響を与えた著名な家族の一員であるウィーンのオペラマネージャー、ジョセフ・フォン・ソンライスナーによってベートーベンのためにアレンジされました。オペラ、コンサートステージ、サロン、音楽院の活動は多くの点でお世話になりました。

ベートーベンのモーツァルトの部分のコピーが重要です ドン・ジョヴァンニ ドイツ語のテキストに適合しています。 フィデリオ、フランス起源であり、その陰謀はスペインを舞台にしていますが、ドイツのオペラであり、ジングシュピールの伝統の話し言葉にも忠実です。その歴史の開始が遅れた後、ドイツのオペラはかなりゆっくりと発展しました。ドイツ生まれのジャコモ・マイアベーアは、イタリアで最初の勝利を経験し、ロッシーニの第一人者の一人になりました。しかし、彼の成功は彼をフランスに連れて行き、 グランドオペラ、彼は彼の時代の最も有名なフランスのオペラ作曲家になりました。ドイツのオペラの国立学校は、ダルムシュタットの法廷指揮者であるゲオルク・ヨーゼフ(アッベ)・ヴォグラーの下でマイアベーアの仲間の学生であるカール・マリア・フォン・ウェーバーの作品から始まりました。影響。

ワーグナーはウェーバーを「すべてのミュージシャンの中で最もドイツ人」と呼ぶことになっていました。彼の傑作で 魔弾の射手 (タイトルは、翻訳が難しいが、悪魔との協定を通じて射手が自由に統治される射手の姿を説明している)ウェーバーは、彼自身が「ロマンティックオペラ」と呼ぶものを作成した。ドイツの詩的なロマン主義の典型的な要素、ドイツのおとぎ話の世界、ドイツの森の国の民間伝承と迷信、ホーンコール、農民の踊り、村の叙情詩、そしてロマンチックな物語の悪魔的なモチーフがすべてそこにあります。それらは、時代の流れに対応するのと同じくらい劇的な独創性で新鮮で健全な音楽言語に統合されており、ウェーバーの作品には大きな支持がありました。その名前が記憶されているハインリヒ・マルシュナーは、彼のオペラはほとんど忘れられていますが、ドレスデンの宮廷オペラの指揮者としてウェーバーと緊密に協力して働きました。マーシュナーとともに、オペラは次の言葉を特徴とするドイツの中産階級の環境に入りました ビーダーマイヤー (正直だがやや謙虚な市民の一種)。それは、英雄的な台本の浅さとマニエリスムの高まりに対する歓迎すべき反応を表しています。しかし、それが生み出した作品は、活力ではなく人気のおかげで歴史の中で彼らの位置を占めていました。したがって、アルベルト・ロルツィングによる少し後のオペラも同様に単なる名前のままです。しかし、ロルツィングの仕事で、彼は彼と一緒に戻ってきました ウンディーネ グランドオペラの分野では、ワグネリアンの音楽劇の種も見られます。

ドイツ生まれのフリードリッヒ・フォン・フロトウは、その感傷的な魅力もあって、レパートリーの中でやや不安な場所を維持しており、 ビーダーマイヤー フランスへのオペラは、後にドイツ生まれのフランスのオペラ作曲家、ジャック・オッフェンバッハに任され、このジャンルから派生したいくつかの永続的な作品を制作しました。しかし、オッフェンバッハによって、ブルジョア社会のオペラは面白くて風刺的なオペレッタに変わりましたが、彼の偉大な叙情的で劇的な才能は、詩人、芸術家、音楽家であった詩人、芸術家、音楽家の物語から出発した作品で明らかにされていますドイツのロマン主義の具体化-ホフマン物語.

ドイツのロマン主義のオペラは、結局、フランスの娯楽のスタイルに委ねられましたが、オペレッタのジャンルは、ウィーンの作曲家、ヨハン・シュトラウスの作品で称賛されることになりました。彼の人気のオペレッタ、とりわけ こうもり (コウモリ)はダンスから生まれました。彼の父、ヨハン・シュトラウスの長老のように、彼はウィーンとヨーロッパの宮廷を支配したワルツのマスターでした-その祖先のダンス形式であるメヌエットは、フランスの王宮とヨーロッパを支配していました絶対主義の時代。

イタリアのオペラは、ドイツのオペラとは異なり、常にしっかりとした伝統があり、ロッシーニの隣でイタリアが制作した2人の主要なオペラ作曲家の作品に明らかですが、どちらも彼の偉大さ、ガエターノドニゼッティとヴィンチェンツォベッリーニには達していません。ドニゼッティのコミックオペラはオペラブッファの最後の素晴らしい例であり、彼の作品を真剣に凌駕していますが、ベリーニのオペラは完全に人間の声の栄光に専念していますが、古いベルカントの栄光までは測定されていません。しかし、両方の作曲家は最終的にイタリアの舞台を見捨て、フランスに目を向けました。イタリアがついにオペラの伝統における主導的役割を取り戻したのはヴェルディの作品でしたが、ワーグナーの作品はドイツでまったく新しいものを確立しました。

クラシック音楽とロマン派音楽の偉大な名前とあまり知られていない名前によってほぼ完全に隠されているのは、18世紀の変わり目にスワビアンの法廷指揮者であったヨハンルドルフツムスティーグの名前です。それでも、それ自体の相対的な曖昧さにもかかわらず、重要性の新たな出発をマークしたジャンル、つまりバラードを表すので、それは選ばれるに値します。本来の意味である「踊る歌」では、バラードには長くて際立った歴史があり、その歌自体は明らかに最も古い音楽形式です。しかし、音楽の古典主義とロマン主義の融合において、歌という用語は、ドイツ語版では嘘をついていましたが、新しい意味を獲得しました。ゲーテとシラーの詩、ドイツ文学の古典的人物の影響を大きく受けたアートソングの歴史の決定的な段階は、ライカートやゼルターなどの作曲家の作品(およびハイドン、モーツァルト、ベートーヴェンによる孤立した例)で予告されました。 )。

ロマン派の歌曲に至るまでの発展において、バラードの特別な形が重要な役割を果たしました。バラードの踊りのキャラクターは、ソロ歌手の物語が締めくくられる合唱の控えに早くから後退していました。この物語は、主に古代と中世のサガと封建時代の勇敢な物語を扱っており、古典的なドイツの詩の作品を、冒険的で神秘的で、まれに恐ろしいシーンではない民俗的な表現にますます変えました。現代の鍵盤楽器であるピアノの優勢によって伴奏が決定された新しい形のソロ曲は、バラードに特によく合いました。その簡潔な構造では、それは精巧なオペラよりも直接的に当時の劇的な傾向を提供し、したがってバラードはボーカルスタイルの移行段階で重要な位置を占めています。

学生時代にシラーの友人となったツムスティーグはバラードの代表となり、シューベルトの最初の曲「ハガーの嘆き」(ハガーの嘆き)から、彼の作品がシューベルトの作品に直接影響を与えたことがわかります。Hagars Klage)、同じタイトルのZumsteegのバラードをモデルにしています。シューベルトのバラード 魔王ゲーテの詩で、4年後に彼の作品1として出版され、ロマンティックな歌の文学を開き、シューベルトのこのジャンルへの600以上の貢献は、19世紀の歌の文学の主要な構成要素であり続けました。しかし、バラードはそれ自身の生命を維持し、ゼルターの学生であり、ライカートの影響を強く受けたカール・レーヴェの作品で最高点に達しました。これらの2人の初期の歌曲家を通して、ロエベはゲーテとシラーの世界に精通していましたが、彼の作品の最も特徴的なのは、彼の作品1として彼が 魔王エドワード、後者はシューベルトの最後の曲の1つに仕えた古いスコットランドのバラードのテキストにあります。

シューベルトは常にヤヌスのような人物と見なされてきました。「ロマン主義の古典主義者と呼ばれることもあれば、古典主義のロマン主義者と呼ばれることもあります」。 5この観察は、私たちの議論に密接に関係していますが、文体分析の事実に非常に説得力がありますが、シューベルトの創造的な性質を理解するための鍵を提供するものではありません。同じ二重性(ベートーベンの作品に関連して以前に観察した)は、ブラームスに帰することができ、また帰されてきました。それでも、文体の遺贈の融合は、それぞれの場合において、圧倒的に個々の芸術的個性をさまざまな方法で特徴づける要素として単に理解されなければなりません。同様に、「歌の父」という形容詞は、シューベルトに不当に適用されるのと同じように、ジャンル自体に不正を適用します。新しい文学の始まりを説明するのは、シューベルトの歌曲の個性です。

シューベルトが生まれた家は、何世紀にもわたって変わらず、訪問者に最も感動的な印象を与えます。シューベルトが19人の子供のうちの1人として育った校長の家族の小さな住居です。サリエリはその少年の才能を発見し、彼を帝国礼拝堂に受け入れました。しかし、シューベルトの存在は、彼の背景から遠く離れたサークルに驚くべき直接性で移動しました。彼の深い文学的価値観は最初から彼の作品を決定し、彼は高度に栽培された若い芸術家や詩人と一緒に短い人生を過ごしました。彼の歌の莫大な富の中で、彼はすぐに成熟しました。曲の形は最後の作曲まで彼自身のものでしたが、彼はしばしば完全には理解されていない程度にそれから離れたと言うかもしれません。彼の天才は交響曲と弦楽四重奏の古典的な形で表現を求め、ベートーベンの影の下で意識的にそして衰えることのない規律で働きながら、彼は後の作曲家がしなかったように巨人の身長に匹敵するようになりました。彼のロ短調(「未完成」)とハ長調(「大」)の交響曲、Aとニ短調のカルテット、そして最後の室内楽作品であるハ長調の弦楽五重奏曲は、古典的な器楽文学の終わりを示しています。 。シューベルトの真面目さと謙虚さの特徴は、彼の人生の終わりに向かって、彼が特定の形式、フーガを習得していなかったという事実に気づいたことです。そして、彼の死の2週間前に、彼がフーガの作曲のスケッチについて話し合うためにゼヒターに頼ったことはよく知られています。これは私たちが彼の手から持っている最後の自筆譜です。

クラシック室内楽と交響曲の形式は、19世紀を通して作曲家にとっての挑戦であり続けました。それでも、世紀の最も独創的な創造物としてのロマンチックな歌は、メンデルスゾーンが彼の有名な「言葉のない歌」を書いた程度まで時代を支配しました。彼らはロマン派の交響曲を発足させましたが、メンデルスゾーンとシューマンの最も有名な主要な器楽作品はどちらも、古典的な形式とロマン派の妙技が融合した協奏曲です。しかし、シューベルトのように悲劇的に短いこれらの2人の巨匠の人生は、非常に独創的な作品を幅広く生み出しました。シューマンは、かろうじて20代で、ショパンとその後のブラームスのキャリアを告げる最初の現代音楽批評ジャーナルも設立しました。ロマンチックなシーンの広いビジョンに導かれた彼の多面的な作品は、幻想的な要素を支持しながらも、本物の叙情的な強さを示しています。彼はシューベルトに続いて嘘をついたドイツ人の最大の指数でした。彼の歌では、伴奏の輝きはしばしばリーダーシップにまで上昇し、長い後奏曲では、彼は詩人のテキストを声では到達できないレベルにまで発展させる傾向がありますが、彼のピアニスティックアートの精巧さと解釈の力を反映しています。

メンデルスゾーンの優しくて洗練された姿には、見事に響く何かがあります。彼の作品は彼の序曲で成熟しました 真夏の夜の夢 彼は17歳のときでしたが、彼の素晴らしい贈り物をエレガントな確信を持って利用し、彼の愛想の良い音楽は真の習熟を示しています。彼は、背景と育成によって知識人であり、常に真面目で、誠実で、完全に芸術的でした。彼の時代の他のどの作曲家よりも過去の世代の遺贈にもっと明確に専念していたが、彼はまだ完全に独創的であり続けた。プロテスタントのコラールとヘンデリアのオラトリオは彼にとって非常に重要なモデルとなり、元の力を取り戻すことは彼の時代には与えられませんでしたが、この時代はメンデルスゾーンの歴史的な方向性によって崇高になりました。しかし、彼の華麗なヴァイオリン協奏曲、オクテット、または 最初のヴァルプルギスの夜。後の年齢は、順番に、彼の細かく制御された表現を回復することができませんでした。彼は古典後の時代の問題を完全に共有しましたが、彼は彼の芸術の優雅さでそれらを習得しました。

シューベルト、シューマン、メンデルスゾーンは、さまざまなクラシック形式が自然な作業基盤であり続けた作曲家でした。しかし、彼らの傑作はこのようにさまざまなジャンルに配布されましたが、19世紀の音楽の強調は、単一の形式または媒体に専念する作曲家に向けられました。包括的な把握。 19世紀のヴィヴァルディの時代には、旅の名手である彼自身の出演のために作品を書いた経歴は孤立した現象でしたが、それは音楽シーンを支配する傾向がありました。パガニーニの勝利は、史上最高のピアニストとなった若いリストの登場と平行しており、作曲家としてのリストの活動は、コンサートステージでの彼の国際的な成功によって最初に決定されました。

クリエイティブな作品が彼自身のパフォーマンス媒体に非常に密接に焦点を合わせていた作曲家の最も典型的な代表者は、リストが彼の同等者として称賛したフレデリック・ショパンでした。ショパンのピアノ作品は、ピアノとオーケストラのための彼の協奏曲がほとんど完全に無視された程度まで、ロマンチックな巨匠の世界を反映しています-彼らに最もまばらに開発された伴奏を与えた作曲家によって、そして彼だけで作曲家を知っている後世によって細かく作られたプレリュード、ポロネーズ、マズルカ、即興曲、夜想曲、ワルツ。これらの作曲は、繊細なディテールと強烈な詩的表現を、キーボード文学におけるユニークな成果となる情熱的な妙技と組み合わせています。ショパンの人生の仕事は、再び時期尚早に終わり、ソリスティックな作曲をこれまでにないレベルに引き上げました。

ヴァイオリン文学の運命は異なり、19世紀には壮大なヴァイオリン協奏曲がちりばめられていますが、ここでは概して単なるショー作品を扱っています。例外は、ソリスティックな理想ではなく交響曲に取り組んだ作曲家からのものであり、その時代の最も人気のあるヴァイオリン協奏曲の1つが交響曲というタイトルを付けているのは、ロマンチックな妙技とクラシックな形式の融合の特徴です-交響曲エスパニョーレ スペインの祖先のフランスの作曲家、エドゥアール・ラロによる。

巨大な和解が起こり、多かれ少なかれ不思議なことにもたらされ、それによってオペラ、交響曲、歌のジャンルが新しい形で出会った。エクトル・ベルリオーズの場合、採用された「専門」は、単一の楽器ではなく、それらの合計(大幅に拡大され、技術的に完成されたオーケストラ)でした。彼の GrandTraitéd'instrumentationetd'orchestration (1844)はオーケストラマニュアルの古典となり、彼の作品ではロマン派オーケストラのリソースを最大限に探求しました。彼は、幻想交響曲が率いる交響曲を「器楽劇」と呼び、その中で彼はプログラム音楽(純粋に文学的な情報源に基づく器楽)の概念を新しい理想に引き上げました。彼らはもう一度、協奏曲のジャンルを受け入れました-ソロパート イタリアのハロルド パガニーニを念頭に置いて書かれました。ベルリオーズの記念碑的な作品には、教会音楽(彼のレクイエム・ミサとテ・デウム)、オラトリオ、オペラが含まれますが、それらすべてにおいて、彼は心の中でオーケストレーターであり続けました。彼らの独創性にもかかわらず、彼の神聖な作品は、その壮大な響きの中で、精神的な要素の本質を否定し、舞台劇は、実際には、プログラム音楽の芸術的信条を否定しました。

リストは、最終的には巨匠の経歴と彼の楽器の範囲によってのみ決定される作曲に不満を持っていましたが、ベルリオーズの作品のプログラム音楽の概念に触発されました。彼の名声の絶頂期に、彼はこの新しい挑戦に取り組み、今や完全に彼の創造的な仕事に目を向けると、影響力が実際にドイツをはるかに超えて広がった「新ドイツ学校」のモデルとなった新しい交響曲の形に到達しました。詩。彼のロマン派オーケストラの習得は、交響曲の精緻化の原則に完全に見守られており、彼の作品は「プログラム」に従うのではなく、記述的な詳細に依存しない完全な概念から生まれました。後年、彼は神聖なオラトリオと典礼の作曲を書きました、そして彼の交響曲の言語が完全に詩的なアプローチによってベルリオーズのそれと対照的であるように、これらの合唱作品は真に宗教的な態度によってベルリオーズのものと異なります。リストは献身的なローマカトリック教徒であり、後年、修道院としてマイナーな命令を受けました。彼の時代の音楽のあらゆる側面への関心は彼の生涯を通じて広範囲に発展し、多くの学生が彼をドイツ、イタリア、ハンガリーの活動拠点に連れて行った。

リストは、彼の仕事と家族の絆の両方を通じて、ワーグナー(娘のコシマと結婚した)と密接に関連しており、両方の作曲家の広範な文学作品は、彼らが共有し、衰退する19世紀の音楽シーンを支配した理想についての明らかな解説を提供します世紀。それにもかかわらず、新ドイツ学校の2つの偉大な指数は世界的に離れていました。リストが交響曲と詩をブレンドすることによって熟れすぎたロマン主義の課題を解決したのに対し、ワーグナーはすべての芸術をブレンドする時が来たと発表し、過去の世代の総合的な芸術的努力が彼自身につながったことを示唆することを躊躇しません仕事、新しいコンセプトを発足、 Gesamtkunstwerk またはユニバーサルアートワーク。彼がそのような主張を維持することができたのは、結局、彼の複雑な芸術的個性によって提起された問題に打ち勝った彼の音楽の天才によるものです。

家族で劇場がプロとしての生活を支配していたワーグナーは、ウェーバーとドイツの初期のロマンティックオペラの影響を受けて育ちましたが、すぐにフランスのグランドオペラに到達しました。核心に革命を起こした彼は、成功と失敗の間で、ある国から別の国へと逃げていった。彼が最も高くそびえる作品であるスイスのテキストを書いたのはスイスでした。 ニーベルングの指輪、そしてそれは、もともと単一のドラマとして設計されたこの作品が、各テキストが新しいものの序文を必要としたため、4つのサイクルに成長したという彼の計画の大きさを物語っています。彼の構想の広大さは、完成した台本を音楽に設定する際に、彼が途中で立ち止まり、何年にもわたって、彼の最も決定的な2つの、しかし劇的な作品とはまったく異なるものを散在させたと考えると、完全に明らかになります-トリスタンとイゾルデダイマイスターシンガー-完了する前に 指輪。ロマンチックなおとぎ話や北欧神話から中世後期のギルドの堅実なハンバーガー環境に至るまで、彼の主題の選択は、彼の最後の作品で、償還の普及した考えによってさまざまな方法で決定されました。 パルジファル、彼は最終的な形を与えました。

ワーグナーの並外れた経歴の特徴は、時代錯誤になったもの、つまり王子様の補助金によって危険なほど崩壊した運命を救ったこと、そしてこの補助金が精神的に病んでいる王、ルートヴィヒ2世から来たことです。バイエルンアルプスに幻想的な城を建てた王は、ワーグナーがかつての支配者の住居であったバイロイトに、ワーグナーが「未来の音楽」と呼んでいたユニバーサルアートワークの神社を設立することを可能にしました。フランコニアの公国であり、それ以来、国際的なオペラの聴衆のための巡礼の場所です。

ワーグナーは19世紀の音楽の最も強力な人物として登場しますが、彼はこの場所を、ワーグナーの正反対の作品である作曲家と共有する運命にありました。 Gesamtkunstwerk-ジュゼッペヴェルディ。ヴェルディはワーグナーと同じ年に生まれ、ワーグナーのように若い頃に政治的に関与し、彼の名前はしばらくの間、 risorgimento、自由なイタリアの台頭。しかし、ワーグナーとは異なり、彼は後年、国の意味合いから自分の仕事を解放しました。彼は彼の音楽の純粋な力とのパフォーマンスを通して国民的英雄になりました 相田スエズ運河の歴史的な開通を記念して委託された、は、最初の真に国際的な音楽イベントとして立っています。

19世紀のオペラの2人の偉大な代表者、自己中心的なワーグナーと慈善的なヴェルディを比較することは依然として問題があります。ワーグナーが取って代わったと考えた伝統的なイタリアのオペラの。彼らの芸術の目的は事実上比較に反するほど多様でしたが、彼らの技術はいくつかの驚くべき類似点を示しています。ワーグナーは自分自身をベートーベンの相続人と見なし、ベートーベンの交響曲による音楽的アイデアの発展は、ワーグナーの楽譜で、古代ギリシャの合唱団のように劇的な連続性と意味を解釈したナレーターの役割を担っています。しかし、繰り返して「導く」メロディー(ライトモティーフ)を使用する彼の有名なオーケストラ装置は、彼自身の発明ではありませんでした。ヴェルディの作品だけでなく、当時の他の作曲家の作品にも登場します。ワーグナーの言葉では、オーケストラのコメントが劇的な状況と哲学的概念を伝える主要なエージェントになりましたが、ヴェルディの作品では、人間の声と人間のドラマが全体を支配しています。彼の役割は超自然的なものを避け、ワーグナーの詩と音楽の陰気な要素は彼にとって異質でした。彼は最高のオペラ座であり、彼の最後の2つの作品は オテロとフォルスタッフ作曲家が非常に高齢のときに書かれた、古いオペラセリアとオペラブッファの永続的な記念碑です。

ワーグナーとヴェルディの作品の身長と人気に匹敵する19世紀のオペラは1つだけです:ビゼーの カルメン 実際、この作品は歴史上最も人気のあるオペラになりました。高度な教育を受けたミュージシャンであるジョルジュ・ビゼーは、決して彼から生まれた歴史ではありませんでした。単一の作品の作曲家です。しかし カルメン ここで作曲家の素晴らしい贈り物が彼の時代の傾向と独特の方法で融合したので、世界的な成功になりました。悪役でもあり、最終シーンのステージで殺害されたヒロインの性格描写は、異常な劇的なスキルを要しました。それは、初期のロマン主義の優しさへの強い反応であるリアリズムの世紀末の傾向を反映しており、スペインとジプシーのテーマに基づいた設定の選択は、衰退するロマン主義時代の別の典型的な表現であるエキゾチシズムによって導かれました。ビゼーはこの主題を驚くほど軽い手で扱い、彼の繊細で常に興味深いオーケストレーションは室内楽の精巧さに接しています。彼は彼の勝利を目撃するために生きていませんでした。この作品は当初、作曲家の早すぎる死の一因となった可能性のある失敗でした。

ビゼーの カルメン、仕事の永続的な品質にもかかわらず、瀕死の時代を示しています。リアリズムはすぐにさらに別の反応、印象派に出会った。ロマンチックな世界はその最も洗練された発話に撤退し、有名なフランスのオペラの最後であるクロード・ドビュッシーのペレアスとメリザンドでは、音楽はもはや存在せず、単にドラマを示唆しているにすぎません。そのもろさはそれ自身の素晴らしい強さを持っており、微妙な色の奇跡的に豊かなパレットは新しい世紀と新しい時代を告げます。

歴史のすべての段階と同様に、主要な時代のデルタのような崩壊として現れるものは、実際には重要な若返りと統合の種を運びます。ロマンチックな表現と古典的な形式の最終的な再構築は、ウィーンの古典主義のシンフォニストのように、楽器のイディオムに特に取り組んでいる間、多くの音楽ジャンルに貢献したいくつかの主要なシンフォニストの作品で衰退する19世紀の音楽に入りました。ウィーンは、ヨハネスブラームスとアントンブルックナーの作品の中で、ヨーロッパの音楽の中心地としての地位を再び主張しました。20世紀には、「第2ウィーン楽派」の台頭が見られました。しかし、「学校」の概念は、19世紀の最後の数十年間にウィーンの音楽シーンを支配した2人の作曲家の作品にはまったく適合しませんでした。これは、スタイルの根本的な違いと新たな出現のためです。チャイコフスキー、ドヴォルザーク、セザール・フランクなどの完全に異質な作曲家の手による交響曲の演奏。しかし、伝統的な交響曲の構造が決して使い果たされていなかったということは、彼らの仕事と20世紀まで続いた彼らの影響力によって十分に裏付けられました。

ピアニストのブラームスとオルガニストのブルックナーの個性は、北プロテスタントと南カトリックの対比を強く示しています。彼らは社会における合唱音楽の新しい役割に触発された合唱作品への道を早くから見つけました-彼らは両方とも様々なアマチュア合唱組織を指揮しました。しかし、ブルックナーの作品では、合唱媒体は礼拝の奉仕と密接に結びついており、宗教的な神秘主義が彼の交響曲の作品に取り入れられることになっていました。一方、ブラームスの交響的遺贈は完全にベートーヴェニアンであり、ベートーヴェンのモデルは彼の生涯を通じて根本的な挑戦であり続けました。彼が大きな形に乗り出したとき、彼はすぐに危機に陥り、彼の最初の交響曲がピアノ協奏曲に変わったことに気づきました。しかし、若い作曲家の危機から、圧倒的な美しさと、常に高度に統合されたプロポーションを生み出した誠実な作業手順の両方を特徴とする作品が生まれました。ベートーベンのように、彼はピアノ協奏曲に戻りましたが、ベートーベンの5つのスタンドに対しては、ベートーベンの9つの交響曲に対して2つしかありません。ベートーベンのように、ブラームスはチャイコフスキー(そして彼の前にメンデルスゾーンがいたように)がしたように、レパートリーで永続的な作品のままである1つのヴァイオリン協奏曲を書きました、そして私たちはこのリストにマックス・ブルッフ、オリエンテーションに近い作曲家によるGマイナーヴァイオリン協奏曲を追加するかもしれませんブラームスに、彼は彼の身長に達しませんでしたが。

ブルックナーの交響曲は、その純粋な記念碑性によって、19世紀後半のオーケストラ音楽にそびえ立っています。それは、彼の交響曲の1つを「親愛なる主に」捧げ、彼の作品が受けていた悪いレビューをやめるように皇帝に懇願した作曲家の感動的なナイベテとは一見矛盾しているように見える記念碑ですが、実際には一見しただけですそれで。彼の素朴な魂には天才が染み込んでいた。彼の9つの交響曲は、ワーグナーの四部作とは異なり、広大なサイクルで互いに関連しています。ワーグナーは彼の調和とオーケストレーションの言語です。しかし、彼の作品は、19世紀の交響曲の歴史を終わらせる壮大な次元でありながら、シューベルトの叙情詩の世界を超えて偉大なカトリックの過去の世界にまで遡るロマン派音楽ドラマのアンチテーゼです。

ロマンチックな精神と古典的な伝統の和解は、ヨーロッパの音楽に浸透した普遍的な現象でした。ロシア、ボヘミア、スカンジナビアの国立「学校」について話すとき、私たちは実際には同じプロセスで個々の表現を指しますが、いくつかの大胆な革新の場合に思い出されるように、個性はそのような一般化に反対します。しかし、ある意味で、音楽の輝かしい遺産を持つフランスでさえ、全体としてオペラから離れて、ブラームスとブルックナーの時代を反映した「学校」を発展させました。セザール・フランクは、オルガニストとしての仕事を通じて交響曲の形式に到達したブルックナーのように、古い形式を新しい方法で扱いました。ブラームスのように、フランクと彼の信奉者たちは、カミーユ・サン=サーンスのイニシアチブによって設立されたソシエテ・ナショナル・ド・ムジークの支援と新鮮な興味を持って出会ったさまざまな古典的なジャンルに戻りました。 「ロシア5人組」と呼ばれるグループの中で最もカラフルなニコライ・リムスキー=コルサコフは、交響曲を書いた最初のロシアの作曲家でもありました。このグループとは別に、真にヨーロッパの訓練とオリエンテーションを行った19世紀のロシアの作曲家チャイコフスキーは、著名な身長ではありますが、本質的に伝統主義者でした。しかし、「5」の最後のモデスト・ペトロヴィッチ・ムソルグスキーでは、ロシアは19世紀の音楽に完全に独創的で圧倒的な人物を与えました。 Bruch、Saint-Saëns、そして彼の学生であるGabriélFauréなどの多くの19世紀の作曲家は、古典的なロマンチックな伝統を新世紀に、ドヴォルザークを重要なことに新世界に見ました。

音楽の古典主義とロマン主義の時代の調査を終えるにあたり、私たちは通訳の役割にもう一度敬意を表する必要があります。私たちが観察したように、作曲家と演奏家、創造的で解釈的な芸術は、19世紀の台頭で個別に定義された領域を主張する傾向がありました。その過程で、通訳の役割は独創性と重要性を増しました。新しいキーパーソンがコンサートステージとオペラピットを指揮しました:プロの指揮者。リストとワーグナーは、以前の作曲家と同様に、それ自体がプロの指揮者でした。ワーグナーのローエングリンの初演はリストによって行われました。しかし、のプレミアパフォーマンス トリスタンダイマイスターシンガー 認められた専門家、ハンス・フォン・ビューローの手にありました。娘のコシマが最初の結婚で彼に支持されたリストの学生であるフォン・ビューローは、ワーグナーとその後のブラームスの作品の主任通訳になりました。彼はオーケストラの懲戒者であり巨匠の指揮者の現代のキャリアのモデルを設定しました。市民コンサートへの一般の参加者は大幅に増加し、プロの指揮者によって解釈されたマスターの作品は、一般の人々がプロの評論家によって奉仕された毎日のレビューを通じてさらに解釈されるようになりました。

強力で横暴な批評家の原型であるエドゥアルト・ハンスリックは、ワーグナーとブルックナーの作品に対する執拗な攻撃(皇帝の保護を求めるブルックナーの嘆願を促したのは彼でした)と、ブラームスの作品に対する忠実な支持で知られています。しかし、後世は、古典的な原則のこの知識豊富な保護者を不当に好戦的な人間不信と判断しました。一見保守的であるように見えますが、彼はその音楽の壮大さの中で衰退の危険性を感知することにおいて彼の時代に先んじていました。ハンスリックは、ウィーン大学の学部に最初に任命され、音楽をアカデミックカリキュラムの不可欠な部分として表現しました。その間、他の大学にも音楽の議長が設置されていました。ベルリン大学の教授職は、ハンスリックの時代に、論争的ではなく、より広く教訓的な影響を与えた学者であるハインリッヒ・ベラーマンによって開催されました。 19世紀初頭に目覚めたアカペラの理想に専念し、彼はその教育学のルーツを新たに解釈し、対位法の最初の現代教科書を発行しました。それは、作曲家、演奏者、そして聴衆が同様に過去の音楽スタイルのより明確に定義された見方を獲得し始めた時期に、その後の多くの指導コースに決定的な影響を及ぼしました。

リストがローエングリンの最初の演奏をしたとき、オーケストラのコンサートマスターは19歳のヨーゼフ・ヨアヒムでした。当時の最高の通訳の一人であるヨアヒムは、包括的な指揮をとるミュージシャンでした。シューマンの注意を若いブラームスに呼びかけたのは彼でした。彼の芸術性はメンデルスゾーン、ブラームス、ブルッフのヴァイオリン協奏曲に影響を与えました。彼はバッハのソロヴァイオリン作品を同時期の編曲から解放した最初の人物であり、40年以上にわたって、新しく設立されたベルリン音楽アカデミーのディレクターとして、現代のコンサートレパートリーで室内楽の古典的な作品を確立した弦楽四重奏団を率いました。 。リストからのように、ヨアヒムからコンサートステージでの昨日と今日の素晴らしいパフォーマーへの直行の降下があります。

ノート

  1. フリードリヒ・ブルーメ、クラシックでロマンチックな音楽(ニューヨーク:ノートン、1970年)。 [本文に戻る]
  2. 「メタスタシオ:グルックの先駆者」op。引用、pp.166ff。 [本文に戻る]
  3. ロンドンフィルハーモニー協会のディレクターであるウィリアムエアトンがジェントルマンズマガジン(1838年5月)に掲載した死亡記事から引用。 [本文に戻る]
  4. Neue-Mozart-Ausgabe、X / 30/1(Kassel and Leipzig:Bärenreiter、1955)。 [本文に戻る]
  5. ポールヘンリーラング、西洋文明の音楽(ニューヨーク:ノートン、1941年)、pを参照してください。 776.ラングは、シューベルトのニ短調カルテットを、古典主義とロマン主義の和解の勝利として語っています。 [本文に戻る]

発見された最も初期の既知のポリフォニック音楽

この音楽は900年頃に書かれたもので、実用化を目的としたポリフォニック音楽の最も初期の例を表しています。クレジット:MSハーレー3019。大英図書館委員会の許可を得て複製

新しい研究により、ヨーロッパの音楽の伝統の基礎を築いた原理の例である、最も初期に知られている実用的なポリフォニック音楽が明らかになりました。

ポリフォニック音楽の最も初期の既知の実用的な例(複数の部分のために書かれた合唱音楽の一部)は、ロンドンの英国図書館の原稿で発見されました。

碑文は10世紀の初めにさかのぼると考えられており、ドイツの守護聖人であるボニファスに捧げられた短い聖歌の舞台となっています。これは、これまでに発見されたポリフォニック音楽(複数の独立したメロディーを組み合わせた音楽に付けられた用語)の最も初期の実用的な例です。

ステーブの発明に先立つ初期の表記法を使用して書かれ、ランスのマテルニアヌス司教の生涯の原稿の終わりにあるスペースにインクが塗られました。

この作品は、ケンブリッジ大学セントジョンズカレッジの博士課程の学生であるジョバンニヴァレッリが大英図書館でインターンシップに取り組んでいたときに発見されました。彼は偶然に原稿を発見し、その変わった形の表記法に心を打たれました。ヴァレッリは初期の記譜法を専門としており、それぞれが互いに補完し合う2つのボーカルパートで構成されていることに気づきました。

ポリフォニーは20世紀までのほとんどのヨーロッパの音楽を定義していましたが、それがいつ出現したかは正確にはわかりません。 2つの独立したボーカルパートを持つ音楽の理論的基礎を示す論文は中世初期から存続しますが、これまで、複数の声のために特別に書かれた実用的な作品の最も初期の既知の例は、ウィンチェスタートロパーとして知られるコレクションからのものでした。 1000年にさかのぼります。

ヴァレッリの研究によると、新しく発見された作品の作者である、声の伴奏を提供する2番目の声の短い「アンティフォナ」は900年頃に書いていたことが示唆されています。

年代だけでなく、当時の論文で定められた慣習から逸脱しているため、この作品も重要です。これは、この初期の段階でさえ、作曲家が作曲されているのとほぼ同時に、形を実験し、ポリフォニーの規則を破っていたことを示唆しています。

「ここで興味深いのは、私たちがポリフォニック音楽の誕生を見ているのに、私たちが期待していたものが見当たらないことです」とヴァレッリ氏は語った。

「通常、ポリフォニック音楽は一連の固定されたルールとほぼ機械的な練習から発展したと見なされます。これは、それを書いた人がそれらのルールを破っていたという理由だけで、その発展を理解する方法を変えます。これは、この時点での音楽が流動性と発展、慣習は、新しい構成の道を探求するための出発点よりも、従うべき規則ではありませんでした。」

この曲は技術的には「オルガヌム」と呼ばれ、メロディーの上または下で伴奏が歌われる、プレーンソングをベースにした初期のタイプのポリフォニック音楽です。

それが2つのパートの音楽の初期の例であったという事実は、作者がポリフォニック作品に非常に初期の形式の記譜法を使用したため、おそらく見過ごされていました。 「メロディーを作ろうとすると、上に書いた音楽は、聖歌に使われている表記法で概説されているものと同じであり、したがって、この種の「図」は、セントボニフェイス」とヴァレッリは語った。 「チャント記譜法は基本的にメロディーの方向を示し、それが上下するとき、オルガヌム記譜法は一貫して同意し、チャントの正確な間隔も示します。」

誰が音楽を書いたのか、そしてそれがどの修道士の家から来たのかは謎のままですが、細心の注意を払った探偵の仕事を通して、ヴァレッリはその可能性のある起源を現在のドイツ北西部のどこかにある教会の中心の1つに突き止めることができましたパーダーボルンまたはデュッセルドルフ周辺。

これは、当時ドイツで最も使用されていたのは、東部古フランキッシュと呼ばれることもある平凡な記譜法のタイプであるためです。しかし、それに加えて、未知の筆記者がページの上部にラテン語の碑文を追加しました。これは、翻訳すると「12月1日に祝われます」と書かれています。

この奇妙なコメントは、マテルニアヌスの聖人の日への言及であり、4月30日にマテルニアヌスを祝ったほとんどの僧侶の家とは異なり、ドイツ北西部の少数のコミュニティが12月1日に祝ったという事実をほのめかしています。 、これにより、音楽を書いた人は誰でもその地域に拠点を置いていた可能性が高くなります。

「音楽は、主な聖人の人生が書かれた後しばらくしてから追加されました」とヴァレッリは付け加えました。 「本文は10世紀初頭に書かれたものであり、これに基づいて、この追加は同じ世紀の最初の数十年のある時期に行われたと控えめに見積もることができます。」

「ここで適用されている規則は、次の千年の西洋音楽史の大部分を発展させ統治したものの基礎を築きました。この発見は、それらがどのように進化し、900年頃に絶え間ない変化の状態でどのように存在したかを示しています。」

大英図書館の音楽学芸員であるニコラス・ベルは、「これはエキサイティングな発見です。この原稿が18世紀に最初にカタログ化されたとき、誰もこれらの珍しいシンボルを理解できませんでした。ジョバンニ・ヴァレッリがそれらを解読できたことを嬉しく思います。音楽の歴史に対する彼らの重要性を理解します。」


ポップミュージックの歴史の事実とタイムライン


ポップとして識別される音楽は絶えず変化しているため、ポップミュージックの定義は意図的に柔軟です。特定の時点で、ポップミュージックをポップミュージックチャートで成功しているものとして識別するのが最も簡単な場合があります。

過去50年間、ポップチャートで最も成功した音楽スタイルは絶えず変化し進化してきました。ただし、ポップミュージックとして識別されるものにはいくつかの一貫したパターンがあります。

ポップミュージック(元々は「popular」の略語に由来する用語)は通常、商業的に録音された音楽であると理解されており、多くの場合、若者市場向けであり、技術革新を利用して既存のテーマに新しいバリエーションを生み出す比較的短くシンプルな曲で構成されています。 。

ポップミュージックは他のほとんどのポピュラー音楽の影響を吸収していますが、ジャンルとしては特にロックンロールとその後のロックスタイルに関連しています

音楽の歴史において、「ポップミュージック」という用語は1926年に最初に使用されました。これは「人気のある音楽」を表すために使用されました。比較的短くてシンプルなラブソングからなる商業的に録音された音楽は、「ポップミュージック」として知られています。

これは「ロックンロール」スタイルに関連付けられており、多くの場合、若者市場向けに調整されており、技術革新を利用して既存のテーマに新しいバリエーションを生み出しています。

ポップミュージックの歴史によれば、「ポップミュージック」という用語は、1950年代半ばに英国で生まれ、「幅広い聴衆にアピールするコンサート」または「通常は曲の形をした非古典音楽」を意味し、ビートルズ、ローリングストーンズ、アバなど。

80年代のポップミュージックの歴史を振り返ると、ポップミュージックは、その開発を通じて、他のほとんどのジャンルのポピュラー音楽の影響を受けてきたことがわかります。

ポップミュージックは、ジャズやロックミュージックから楽器を、ゴスペルミュージックやソウルミュージックからボーカルハーモニーを、感傷的なバラードから形成され、ダンスミュージックからテンポを、エレクトロニックミュージックからのサポートとラップからのパッセージをピックアップしました。

1950年代にテレビが導入され、ポップスターの視覚的な存在が人気を高めるのに役立ちました。 1960年代に、安価なポータブルトランジスタラジオが導入され、10代の若者が家の外で音楽を聴くのに役立ちました。

1980年代までに、MTVは、マイケルジャクソン、プリンス、マドンナなど、視覚的に強い魅力を持つアーティストを支持しました。マイク、マルチトラックレコーディング、デジタルサンプリングの普及は、ポップミュージックの人気の高まりの原因となった他の技術革新でした。

ポップミュージックはアメリカの音楽業界によって支配されていましたが、ほとんどの地域や国には独自の形式のポップミュージックがあります。 1980年代にビデオ技術が導入され、ポップアルバムはさらに人気を博しました。

アメリカのポップミュージックの歴史は、1960年代と70年代にアメリカのポピュラー音楽に多くの重要な変化が見られたという事実に関する情報を提供します。たとえば、ヘビーメタル、パンク、ソウル、ヒップホップなどの新しいスタイルの開発です。 。

1.ポップミュージックの歴史のタイムライン:

1964
1964年4月4日-ビートルズは、米国に到着してから2か月後の1964年4月4日の週に、ビルボードのトップポップシングルチャートで上位5位すべてを占めたときに破られることのない記録を打ち立てました。 、「Ca n't Buy Me Love?

1967
1967年6月1日-1967年6月1日は、間違いなくポップミュージックの歴史の中で最も重要なランドマークです。ロックンロールの時代は「ロック・アラウンド・ザ・クロック」から始まり、アフリカの部族音楽の全世界が開かれ、それに伴う自由な感情が生まれました。

1970
1970年3月27日-彼女は1970年3月27日にニューヨーク州ロングアイランドでマライア・アンジェラ・キャリーに生まれました。彼女の母親、アイルランド系アメリカ人のオペラ歌手兼ボーカルコーチのパトリシア・ヒッキーは、「彼らは風を呼ぶ」という曲にちなんで彼女に名前を付けました。ブロードウェイミュージカル「ペンチャーワゴン」の「マライア」。

1981
1981年8月1日-MTVは1981年8月1日に放送され、わずか3年後に最初のビデオミュージックアワードを制作しました。それは、最も人気のあるポップミュージックとテレビ放映された光景との結婚のほぼ30年になります。

1984
1984年11月30日-ゲルガナは1984年11月30日にディミトロヴグラトで生まれました。実際、ディミトロヴグラトはPayner Musicの家であり、プロデューサーが最初の一歩を踏み出した場所です。これは、歌手が彼女の夢を実現し、ポップフォークミュージックを歌うのに役立ちました。

1995
1995年8月-1995年8月にリリースされたシングル「YouAreNot Alone」は、マイケルジャクソンのアルバムHistoryからの2番目のシングルです。この曲は、歌手のキャリアの最後のナンバーワンシングルでした。この曲は大成功でした。

1998
1998年7月15日-どちらもN.Straussの「日本のポップミュージックシーン:明日、世界?」で引用されています。

2006
2006年8月14日-2006年8月14日にライアンはCredheadzによる独占ミックスが委託された英国で「Jet'adore」をリリースすると言われましたが、リリースはリリース日近くに棚上げされました。しかし、それは英国の音楽チャンネルで激しいローテーションを楽しんだ。

2007
2007年6月7日-イタリアの歌手アダモは主にベルギーでキャリアを積みました。 2010年
2010年3月9日-「ポップ」、オックスフォード音楽辞典。 2010年3月9日にオンラインでアクセス。

記事:ポップミュージックの歴史、ポップミュージックの歴史イベントのタイムライン


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